El Incidente (The Incident) Dir. Isaac Ezban - Premiere en Cannes 2014

Un soberbio ensayo sobre el infierno.

Por Rafa López

Cannes engalana el estreno callejero de medianoche. Prensa de todo el mundo abarrota el Cinema Star. Como si nada entre la gente se encuentra Mickey Rourke, protagonista de The Wrestler de Darren Aronofsky y también por ahí se pasea Dominique Pinon, actor de las películas de Jean-Pierre Jeunet.



 

 La expectación sobre el film es inevitable. Se sabe que es una película que aborda el género de ciencia-ficción y que se aventura en contar una historia al estilo de la dimensión desconocida, pero el espectador no sabe lo que le espera.

   






¿Qué es lo que viene a continuación? El incidente
 

Lo primero que se nos presenta en pantalla es un score compuesto por Edy Lan y que le da a la presentación de la película el sentimiento de estar a punto de presenciar una obra cinematográfica europea, los escenarios lo evocan, aun así, poco a poco la fotografía nos va revelando lo que parece ser un complejo visual. ¿Qué esta pasando? Me pregunto. ¿A dónde me esta llevando esto?.

Una toma fija nos presenta a unos personajes, hay tensión, ¿quiero saber qué pasa? Es como ver un fragmento que más adelante vamos a unir. Evento seguido pasamos a la primera manifestación de la locura, ¿Es una pesadilla lo que esta sucediendo?, no, parece que es la realidad, estoy siendo bienvenido a un laberinto de ansiedades.

Durante las siguientes casi dos horas entro en un acertijo de esos que te retan a descifrar el desenlace de la historia. Ezban poco a poco nos va adentrando en una narrativa que retrata la paranoia. El viaje que emprende el film hace que el cine mexicano de los últimos tiempos se atreva a irrumpir en el género del thriller de ciencia-ficción.

Los detalles minuciosos que encierra este calabozo de locura revelan una cuidadosa producción del film. Estamos presenciando una nueva obra de culto de cine mexicano, la banda sonora es en parte culpable pues brinda a esos momentos específicos el toque perfecto de sueño cinematográfico.

 

Se puede decir que El incidente es un soberbio ensayo sobre el infierno. Los personajes van transformándose conforme pasan las escenas, parece que están encerrados en alguna especie de universo y el director nos ha dejado con ellos y ha tirado la llave. Las atmósferas se van llenando de tensión, la fotografía es responsable también de esto. Al final, cuando el espectador sale del laberinto, se da cuenta que tras la pantalla se alberga el infinito cinematográfico.

El incidente es de esas películas que definitivamente uno tiene que volver a ver y que reta a descifrar el universo en el que la historia se lleva acabo.

Cuando la vean esten advertidos... habrá quienes no podrán salir de ese laberinto.
 

 El incidente Dirección y guión: Isaac Ezban; Producción ejecutiva: Salomón Askenazi, Isaac Ezban, Miriam Mercado; Productor asociado: Pablo Guisa Koestinger; Producción: Salomón Askenazi, Isaac Ezban, Miriam Mercado, Andrea Quiroz; Fotografía: Rodrigo Sandoval; Música: Edy Lan; Elenco: Raúl Méndez, Nailea Norvind, Hernán Mendoza, Humberto Busto, Fernando Álvarez, Gabriel Santoyo, Paulina Montemayor, Héctor Mendoza, Leonel Tinajero, Marcos Moreno, Luciana Villegas, Adrián Ladrón de Guevara y Magda Brugengheim. México, 2014

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Elefante blanco / elegía del tercermundismo

54 Muestra Internacional de Cine en Xalapa

Por Juan José González Mejía 

 

Si en El bonaerense/ 2002 Pablo Trapero estaba ya arriba del vehículo del cine de compromiso social con los tufo de los mohines morales de la Argentina contemporánea, a través del son que mejor sabe tocar: el thriller, en Elefante blanco/ 2012 sorprende con una maestría en el manejo del plano secuencia coreografiado al servicio de un guión que capotea subtramas espinosas (marginación, crimen organizado, guerrillas) con una historia dramática amasada bajo una mirada reposada y efectivamente deshilada por el colmillo del Bichir pampero, Ricardo Darín, en el rol de un cura cuya misión se ancla en una villa paupérrima (en las ruinas del que iba a ser el nosocomio más grande de América Latina en los años cincuentas y que ahora es–literalmente- un “elefante blanco”.)

La película realmente empieza en el minuto 14, cuando es presentada la pepita del asunto: la misión de los curas católicos Julián/ Darín y Nicolás/ Jérémie Renier y la asistente social Juliana/ Martina Gusmán (esposa en la vida real del director Trapero), ayudando a los habitantes de Villa Lugano, en Buenos Aires, para tengan mejores condiciones de vida.

Trapero da la impresión que contiene su relato fílmico para no astillarlo en los lugares comunes de la deconstrucción, de allí que los bocetos cuasi informativos del padre Nicolás, prácticamente rescatado por Julián de la amazonia peruana para su propósito de apostolado social, sean prescindibles.

A diferencia del Fernando Meirelles de Ciudad de Dios/ 2002 o El Jardinero fiel/ 2005 (o incluso, Víctor Gaviria/ La vendedora de rosas/ 1997), cuyos ejes visuales son el vértigo y la paranoia estética, Trapero opta por una gramática si se quiere más sobria, lo que le permite lanzar con precisión sus dardos de denuncia mediante personajes que, a la manera de La Corte de los Milagros (la narrada por Victor Hugo en Nuestra señora de París), sucumben ante los modernos fenómenos de la globalización: la pobreza extrema a unos pasos de zonas residenciales y modernos centros comerciales, narcotráfico y corruptelas de autoridades oficiales y eclesiásticas.

La mirada de Trapero aunque intenta acogerse a una densidad o redondez sicológica de sus personajes sacerdotes (uno de ellos con una enfermedad grave), se desdibuja ante la inmensa realidad que narra con buen tino en el manejo de extras del barrio y la certera y a la vez extraña fotografía intimista de su colaborador fetiche Guillermo Nieto, cuyos movimientos de cámara mimetizan con el travelling en riel y cámara en mano…

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El espeso de Bond - La Opinión

Por Raciel D. Martínez Gómez

La disolución de los estado-nación evidencia, entre otros efectos, el vacío de los cuerpos de inteligencia a nivel internacional. En este sentido Sky fall 007, la última entrega de James Bond, adensa con inusitado control y pericia al combinar acción y drama, el cenáculo del espionaje en el contexto del fin de los estado-nación.

Ian Fleming creó a su personaje hace sesenta años aprovechando la atmósfera política de la posguerra para subrayar, concéntricamente -casi medio siglo en pantalla grande-, la teoría de la conspiración que tanto frutos simbólicos arrojó a la cultura pop de los Estados Unidos desde los súper héroes de cómic de la Marvel hasta el cine conspiratorio tipo La firma o La red.

Dicha circunstancia en la que bordó Fleming a un divertido opositor a la amenaza comunista –incluso en la moda del vestir eran vilipendiados los rojos-, se transformó radicalmente sin péndulo político visible, para dejar como personaje de la tercera edad a su agente con licencia para matar (que por cierto no era cruel hasta que lo interpretó Daniel Graig).

Por un lado las instituciones garantes de la seguridad, como los agentes secretos, y por el otro los mercenarios contratados para generar miedo -los terroristas-, han sufrido una serie de cambios al terminarse la Guerra Fría y entrar en el mundo globalizado en donde las políticas neoliberales y los grandes consorcios son los que posmodernamente establecen las reglas del juego con tamices transfronterizos.

En Carlos, película sin concesiones acerca del enigmático terrorista que asoló Europa en la década de los setenta, el director francés Olivier Assayas mostraba cómo el terrorismo obedecía a una lógica geopolítica donde las ideologías pasaban a un segundo plano. Assayas, suspicaz, mostraba cómo la caída del Muro de Berlín fue un punto de inflexión para entender esa pseudo justificación para el fanático enajenado por exterminar a los cerdos capitalistas.

Sam Mendes lo vio venir y filma en Sky fall 007 el epitafio de esa seguridad cuyo discurso y operación están en franca decadencia (seamos justos y también demos crédito a la saga de Misión imposible que ha registrado precisamente esos cambios en el mudo de los agentes secretos).

En discurso, el espionaje se pierde entre la ausencia de banderas por las cuales luchar -porque habrá que recordar que ya no hay enemigo, pues todos son socios o pertenecen a una comunidad-, tal y como se queja M en Sky fall 007. El crimen transnacional desborda en la etapa contemporánea la justificación ideológica de mantener a los agentes secretos.

Pero eso quizás todavía pudiera entenderse y servir de justificación, lo que no puede darse marcha atrás es en la decadente operación de la agencia secreta. Y es que estamos ante criminales cibernéticos en donde se vulnera cualquier tipo de seguridad física, donde los hackers minan y roban los datos que habían permanecido ultra resguardados a través de un conocimiento tecnológico.

Estaría de acuerdo con Sergio González Rodríguez en que Mendes rodó con Sky fall 007 una pieza fílmica que se antoja paradigmática por los acentos tan marcados entre una y otra época (marcados inclusive en los detalles de atmósferas al pasar de Estambul, Turquía y Londres, Inglaterra a la luz neón y led de Shangai, China), y por el grosor impuesto al blockbuster.

De hecho, es tal la impotencia que provoca la astucia posmoderna del terrorista Silva, que James Bond opta por regresar a los orígenes en su casa de nacimiento refundida en la campiña y tendrá como Sancho a un increíble Albert Finney con rudimentaria escopeta en mano.

Las plumas con efecto explosivo resultan ñoñísimas para el sofisticado armamento de Silva, una deliberada mezcla coctel de villano: con el psicologismo amedrentador de Lecter, la locuacidad sociópata del Guasón, la épica imperial de Duvall en Apocalipsis now, hasta la máquina-sicario de Sin lugar para los débiles de los hermanos Coen.

Mendes consigue una profundidad inusual en un personaje que había permanecido sin aristas mientras la retórica política duraba. Pero cuando ya se corre el velo, entonces 007 se beneficia de los arrestos de un director que nos enseñó espesor dramático en Belleza americana, Camino a la perdición y Vía revolucionaria y ahora en Sky fall 007. Y hasta se da el lujo de una resurrección romántica a partir de un desfasado y elegante DB5.

Sky fall 007. Director: Sam Mendes. Con: Daniel Graig, Javier Bardem y Naomie Harris. Duración: 143 minutos. Estados Unidos, 2012.

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Dos aventuras extraordinarias - La Opinión

Por Juan José González Mejía

Una real y la otra ficticia. La primera, Lo imposible/ España- 2012, dirigida por Juan Antonio Bayona (el mismo de El orfanato/ 2007), recrea una historia real vivida por la española María Belón y su familia durante el tsunami del 26 de diciembre de 2004 en las costas del sudeste asiático, particularmente en Tailandia. 

Rodada en inglés y con un elenco enteramente hollywoodense (para tener mayor distribución internacional, indudablemente), Lo imposible cuenta la historia de una familia americana en las costas tailandesas durante las navidades de 2004. Así, María/ Naomi Watts (nominada al Globo de Oro por esta actuación), su marido/ Ewan McGregor y sus tres hijos pequeños, viven una auténtica odisea. Bayona logra un filme bien facturado, tanto en lo técnico (con eficaces efectos especiales) como en la narrativo, aunque se quede a medio camino del tono parco o el melodrama edulcorado. De allí que el diálogo breve de Geraldine Chaplin con el hijo menor de María sea oportuna para rasurar algún directo chantaje emocional al espectador. 

Sin duda, Lo imposible supera en mucho las propuestas del cine de desastres que han tenido corrida comercial en años recientes. 

La segunda, Una aventura extraordinaria (Life of Pi)/ China- EUA- 2012, dirigida por el solvente Ang Lee, se asoma a la propuesta literaria de la novela homónima de Yann Martel para contar, en un esplendoroso 3D, una épica cinematográfica inteligente y acertada. La vida de un joven de la India llamado Piscine Molitor Patel/ Shuraj Sharma, conocido simplemente como Pi, es llevada por Lee a niveles fantásticos con el uso de la tecnología digital pero con aterrizaje ontológico, es decir, hondura en los personajes. 

Desde un niño y adolescente Pi en la búsqueda de una creencia religiosa definitiva (y definitoria), hasta el esbozo de la situación política en la ciudad de Pondicherry que obliga al padre Pi, dueño de un zoológico, a emigrar con todo y familia y animales en una barco hacia Canadá, el filme cumple bien con el riesgo de la voz en off del narrador (Pi adulto) ante el escritor/ Rafe Spall que dará a conocer su historia. 

La despiadada tormenta que azota al barco influye sobre el destino inmediato del joven Pi, quien en una barca endeble en compañía de un orangután hembra, una hiena, una cebra y un tigre de bengala (llamado Richard Parker por razones risibles de creer), vivirá, como dice el título en español, un aventura extraordinaria. Contra lo que pudiera pensarse, Lee toma distancia lacrimógena del relato y cuenta lo más realista posible (si cabe esta palabra) la desgracia del joven Pi, quien compartirá la travesía con el dichoso tigre el cual nunca pierde su condición salvaje…

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Colosio Solitario - La Opinión

Por Raciel D. Martínez Gómez

Estuvo cerca de transcurrir dos décadas sin un testimonio de la muerte de Luis Donaldo Colosio. Empero, fue el cineasta Carlos Bolado, notorio por Bajo California y Promesas, quien filma en Colosio: el asesinato una versión correctamente tibia del complot orquestado desde las altas esferas para asesinar al candidato presidencial del Partido Revolucionario Institucional (PRI).

La película aparece en un contexto electoral que a muchos les pareció más que tendencioso, sobre todo por la serie de alusiones maquiavélicas que hace la cinta en torno a Carlos Salinas de Gortari, ex presidente de la república en el tiempo que mataron a Colosio. La alusión en Colosio, claro, es directamente en contra de quien fuera su asesor, José María Córdoba Montoya, pero se entiende que a final de cuentas fue el brazo operativo de Salinas, quien es el blanco de fondo en el movimiento anti Peña.

Destaquemos que este último año ha sido muy prolijo en cuanto a películas de corte político que lo mismo abordan contextos otra intocables, problemáticas recientes y en general intentan narrar el nuevo tejido social que impera en México.
Ahora bien, señalemos algunos aspectos contextuales que ayudan a comprender el valor de una película como la de Bolado.

Por ejemplo, digamos que se filmaron de 2011 hacia acá Borrar de la memoria de Alfredo Gurrola González, sobre el contexto de 68; Días de gracia de Everardo Gout; El lenguaje de los machetes, de Kyzza Terrazas menciona al conflicto de Atenco; Ella y el candidato de Roberto Girault; Lecciones para Zafirah de Carolina Rivas sobre los migrantes al igual que Nómadas de Ricardo Benet; Miss Bala de Gerardo Naranjo sobre el narcotráfico y la paródica Salvando al soldado Pérez de Beto Gómez que describe estereotipadamente el crimen organizado.

Recordemos también el impacto de una película como Presunto culpable de Roberto Hernández y Layda Negrete, que trata sobre las irregularidades de los procesos del sistema penal mexicano. Hay que esperar cómo viene Gimme the Power, documental de Olallo Rubio sobre el grupo de rock Molotov que narra el panorama sociopolítico del último México.
En este sentido, habría que traer a colación el hecho de que nuestra historia cinematográfica ha sido insípida en cuanto a la apertura política se refiere.

La sombra del caudillo (Bracho) y Vámonos con Pancho Villa (De Fuentes), fueron cintas malditas que de alguna u otra forma permanecieron enlatadas durante largo tiempo. En México desatendemos a Porfirio Díaz; la huelga de los textileros en Río Blanco; los movimientos obreros de Cananea, Sonora; la huelga de los ferrocarrileros; biografías de los líderes petroleros y/o magisteriales y/o de los pepenadores; los fraudes electorales; ascensos y descensos catastróficos de figuras parlamentarias; los conflictos partidistas; el nacimiento de monopolios privados; el Temblor de 1985 o la colombianización de la sociedad mexicana.

A 18 años del tan convulsionado 1994, no hay un testimonio de la entrada del Tratado de Libre Comercio que vislumbraba un modelo económico de mixto a neoliberal ni del movimiento indígena del Ejército Zapatista de Liberación Nacional que rechazaba su condición y visibilizaba la periferia. Tampoco existían películas de las muertes de Colosio y de Francisco Ruiz Massieu que evidenciaban la escisión del PRI como sistema hasta que llegó la versión de Bolado.

Dentro de esta insípida apertura política destaca por supuesto Rojo amanecer (Fons) y El bulto (Retes) también aportó con un discurso insinuado una mínima referencia a la represión de 1971 en el Distrito Federal -la llamada halconiza. Tampoco habría que negar el cine de José Estrada: La ley de Herodes, Un mundo maravilloso y El infierno.

Vale la película de Bolado por trascender el clima de asfixia de Fons y la refracción de Estrada, por eso gana en verismo y en tiempo sólido para argumentar el teje y maneje político. Más en deuda con Bracho, Bolado consigue un relato con muchos aciertos sobre todo del lado de sus personajes de pasillo y oficina (Córdoba y Ruiz Massieu). Me quedo pensando sólo en lo que hace Oliver Stone con JFK y lo que filman otros maestros como Alan Pakula y Michael Mann. Y, todavía así, aunque no alcance la densidad del thriller político de Stone, es muy convincente la decisión de Bolado en Colosio: de que, a la par que transcurre la investigación que se bifurcó hacia la tesis del asesino solitario, también transcurra la otra historia llena del secretismo más ominoso.

Colosio: el asesinato. Director: Carlos Bolado. Con: Daniel Giménez Cacho, José María Yazpik, Kate del Castillo y Odiseo Bichir. Duración: 102 minutos. México, 2012.

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Disparen sobre el pianista de Truffaut - La Opinión

Por Juan José González Mejía

Si bien la Nueva Ola francesa tuvo en Jean-Luc Godard a su director más cerebral, con ínfulas de ruptura más evidente en el lenguaje cinematográfico, es en Francois Truffaut/ 1932- 1984 que este movimiento capital del séptimo arte encontró a un cineasta más puro en la acepción del quehacer fílmico por la (pre) ocupación de Trauffaut por amalgamar los diversos géneros que le fueron tan caros del Hollywood digamos clásico de los años 30, 40 y 50 del siglo pasado.

    Después de su incontestable pieza maestra Los 400 golpes/ 1959, Truffaut realiza en 1960 Disparen sobre el pianista un homenaje estilizado y desenfadado (pero efectivo) al cinenoir y cine policial.

   
Basado en la novela homónima de David Goodis, y apenas cambiando algunos nombres y escenarios (de Filadelfia la acción se traslada a París), Truffaut concentra su vehemencia visual en un prurito de poesía y encuadres magistrales. Poseedor de la técnica y la inspiración fílmica, Truffaut nos entrega un repertorio del mejor cine negro pionero: Josef von Sternberg y Henry Hathaway, Orson Wells y John Huston a la vez, pero con un humor soterrado que solo hasta el cine de Tarantino hemos vuelto a ver (en Perros de reserva/ 1991 y Pulp Fiction/ 1994).

    El pianista Eduoard/ Charlie (Charles Aznavour), quien toca en un antro modesto y gris, de pronto recibe la visita de su hermano Chico/ Albert Rémy el cual es perseguido por dos hampones que lo quieren ejecutar. A partir de esta premisa de la novela, Truffaut se apropia de la historia con originalidad y solvencia narrativa para deshilar un guión aparentemente sencillo que, sin embargo, ejecuta un atinado y largo flashback para contar la vida de antaño exitosa de Edouard y el porqué se vino a menos tanto en su carrera como músico y en su vida misma.

    Truffaut escarba no en personajes esquematizados, nada más lejos de ello que Charlie y su rara familia de hermanos timadores también; escudriña en un antihéroe que no ofrece nada a sus amigas prostitutas, a la manera de Agustín Lara para “aguardar en blanco diván de tul” no el mentado abandono de mujer sino la acción moral y ética (de allí el destino que corre su esposa Teresa (Nicole Berger).

    Disparen el pianista parecería un borrador sutil de La piel dulce/ 1964 en cuanto a ser una antipoética mirada sobre el amor. Un Charles Aznavour impasible y, curiosamente, sin cantar, logra que su personaje Charlie tenga una plausible articulación de galán, villano reprimido, marginado que encuentra no en el amor o en la familia (de hecho, enreda más el asunto de su hermano Chico) sino en su carga existencial una auto exclusión social, por lo que el final sea bastante alusivo e inmejorable.

Disparen sobre el pianista está disponible en DVD en Zafra Cineteca, en su nuevo domicilio en calle Mata 46, en el centro Xalapa…

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Cloud Atlas de los hermanos Wachowski y Tom Tykwer - La Opinión

Por Juan José González Mejía

Es inseparable, para un artista, lo privado de la obra que realiza. Y para los hermanos Wachowski, creadores de la trilogía de Matrix, no es la excepción. El cambio de sexo de Larry (ahora llamado Lana Wachowski) sí es útil mencionar para intentar adentrarse a Cluod atlas/ EU- Alemania- 2012, la nueva obra fílmica de este par de creadores portentosos quienes sumaron a su ámbito de interés al germano Tom Tykwer (Corre, Lola, corre) para dirigir en triduo un filme tentacular y poliédrico. 

        

Basada en la novela homónima de David Mitchell, Cloud atlas es a la vez compleja pero predecible o, mejor dicho, discursiva, reiterativa en su línea toral: la intemporalidad de las emociones y temores humanos.

         Como si se apegaran a la máxima borgeana de “todos los hombres son uno solo”, los Wachowski y Tykwer urden las seis historias en diferentes tiempos: 1849 (sobre un asunto de esclavitud y moral), 1936 (la vida de un joven músico inglés talentoso), 1973 (la resolución de thriller con reactor nuclear de por medio), 2012 (las transas de un editor literario), 2144 (la conspiración en un mundo de clonación de robots serviles) y 2321 (la era postapocalíptica). 

 

          Si bien la coralidad de personajes (apoyados por caracterizaciones hasta de seis por un actor) y los efectos visuales funcionan en razón de una edición pulcra, es en el discurso proto filosófico con tufos de literatura lo que hace que el guion no cuaje del todo. 

        Por una parte, es entendible la ola de referencias fílmicas (Metrópolis, Soylent Green, Blade Runner, y Matrix lógicamente) sin embargo la redundancia de los motivos (por decirles de algún modo) existenciales, orwellianos, teológicos, tautológicos y totalizadores de la condición humana que cada personaje repite, especialmente la cyber/ Doona Bae, derriten las intenciones intelectuales del filme, llegando a puntos chocantes y ramplones al citar, textualmente, a Solzhenitsyn y a Berkeley (“ser es ser percibido”). 

         El filósofo y sociólogo francés Gilles Lipovetsky dijo en una entrevista para La Jornada, en marzo de este año cuando vino a nuestro país, que estamos viviendo una nueva etapa a la cual él llama híper. “Híper, apunta Lipovetsky, significa la desaparición de los antiguos límites institucionales: el Estado, la religión y la familia, principios que frenaban la modernización extrema. En uno de mis libros planteo la hipótesis de que ha nacido una nueva etapa en la modernidad. Esta nueva etapa es híper, y no debemos olvidar que la modernidad tiene algunos problemas, como su dependencia de la lógica de la técnica, la cual propone sin cesar realidades que van más rápido y más lejos,” 

          En estos términos es que podemos decir que Cloud atlas es un filme híper por querer parecer moderna desde su fondo y forma; de allí que la utilización de actores en roles femeninos y actrices en masculinos sea efectivo, aunque nos queda la duda inmediata: ¿no es acaso Intolerancia, realizada en 1916 por D. W. Griffith, la primera película híper al contar, como Cloud atlas, varias historias en diferentes épocas? 

         Cloud atlas cuenta con las actuaciones de Tom Hanks, Halle Berry, Jim Broadbent, Susan Sarandon, Doona Bae, Hugh Grant, Hugo Weaving, Jim Sturgess, James D’Arcy…

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Django sin cadenas ó Tarantino desencadenado

Por Rafa López

Hemos visto Django sin Cadenas en pantalla grande, la tan esperada película que marca el regreso de Quentin Tarantino al cine después de tres años de ausencia. Mucho se ha dicho "que es una película que habla mal de la esclavitud en Estados Unidos", "que no te puedes esperar algo serio por ser de Tarantino", hasta por ahí leimos un comentario de alguien que decía, "pues ya la vi y es palomitera". Dejando de lado a los oscares que ganó, a Spike Lee y a que tardó mucho tiempo en llegar a Xalapa, decidimos quitarnos todas las imágenes y prejuicios posibles para que al presenciarla en la pantalla del cine la pudieramos ver con los ojos de espectador, olvidándonos incluso que era una película de Tarantino ¿Y saben que pasó? Lo mejor de lo mejor, vimos el film sin cadenas, con la mente y ojos desencadenados para exigir una obra de cine de más de 2 horas y el resultado ha sido… mayor de lo esperado.

Pueden olvidarse que se trata de un film pop de Tarantino, ¿Esperan balazos por doquier? ¿Violencia gratuita? Para nada! Antes en los otros films de Tarantino la violencia era en efecto un ingrediente pretexto para la película, ahora se toma su tiempo y decide contar la historia con mayor realismo. Tarantino se enfrenta a un reto. Bastardos sin Gloria fue elogiada por su desvergonzada versión de la muerte de Hitler, ahora Django sin cadenas es más creíble; las piezas estan cuidadosamente planeadas para que no las veas venir y te sorprendan. Todo lo que has visto en los trailers, los posters y spoilers, puedes intentar olvidarlo y ver con ojos de espectador virgen un film que no vas a tardar en decir, espera... “esto es otro Tarantino”, se debe quizá a un factor trascendental en la filmografía del Quentin y es la ausencia de Sally Menke (la editora de todos sus films y que ahora descansa en el cielo a donde van todos los que hacen cine) así que Django mantiene el estilo de Tarantino pero nos lo va a contar de una manera sino diferente, fuera de lo esperado, adiós nuevamente a los tiempos dividos, como sucedió en Bastardos y por esta vez, adiós a presentarnos la película por capítulos.

No es palomitera, ese adjetivo deberíamos darlo a aquellas películas que ya sabemos de que se tratan y sabemos que no las vamos a volver a ver. Django se enfrenta a una trama concebida por la publicidad, esos trailers que intentan vendernos una película de poder negro con música de fondo de James Brown, olvídenlos, la historia va mucho más allá de lo que se espera, además de que no es predecible pues Tarantino irá entramando unos giros de tuerca para que todo vaya tomando forma paso a paso y sorprenda sin revelar detalles; lo nuevo de este Tarantino será la linealidad que present, cual si fuera una novela leída en dos horas y media, de esas donde por más que le buscas no se sabe en que terminará todo el rollo. La fotografía intenta parecerse al western pero se le agradece que no intente imitarlo sino que ahora lo haga de una manera suya y no tan evidente.

La película se la roba Christoph Waltz merecidamente, el tratamiento del guión comparado con las anteriores películas de Tarantino es fresco y más real, y si uno se pone abusado, hará lecturas de dialogos y escenas donde está oculta la crítica hacia la esclavitud y el racismo en los Estados Unidos. No podemos decir cuales pues muchos no la han visto. En la música podemos decir que talvez Tarantino nos acostumbró a oir a Morricone en sus más recientes películas, aquí habrá más variedad, eso si, con el sentimiento apropiado para cada escena.

La película pudo haber terminado en cierta parte y seguir conservando el sello Tarantino, pero te advertimos que esta cosa será diferente y te encontrarás con un final que probablemente se asemeja más al estilo de las películas blaxploitation, así que por algo lo eligió así.

Veredicto:

"Django Unchained es la película que rompe la línea del Tarantino de los 90's y se coloca como una obra audaz que le hace justicia a su nombre, un film totalmente desencadenado, liberado del estereotipo del cine hollywodense y empeñado a mostrar un ensayo fílmico sobre la exclavitud norteamericana hecha western. Se concibe como una obra que se aprovecha del estereotipo comercial y conserva la manufactura de un cineasta moderno independiente. Las películas que vengan después de Django Unchained pueden ser de lo más interesantes en la filmografía de un director que alcanza su madurez pero que no deja de plasmar en la pantalla su pasión por el cine"

Ahora si no has visto la película no leas la parte de abajo.

La mejor escena de Django Unchained con la que nos quedamos.

 (ADVERTENCIA SPOILER) 

Después del clásico momento Tarantino, Django se ve acorralado y no le queda más que rendirse para salvar a su amada. Le piden que se entregue o la matan, Django dice “me rindo”, tira la pistola, sale de un escondite en el suelo y se levanta. En ese momento Stephen, el que amenaza a Django, muestra una mirada sorprendida que nos dice algo, arranca el tema musical de Richie Havens “Freedom”, Django se entrega a morir en un acto de valentía, esa es la libertad, Django va caminando y no tiene miedo, se escucha el coro musical de “Freedom” (Libertad), mismo grito que durante la década de los 60’s se escucharía en la lucha por los derechos civiles para la comunidad negra de los Estados Unidos. Django se quita la chaqueta rompiendo los botones que caen al suelo en cámara lenta mientras se oye el verso que canta la canción “Sometimes I feel like a motherless child” (A veces me siento como un niño sin una madre), Django camina con las manos en alto, la cámara se va alejando y sube para convertirse cual fuera la mirada de Dios que ve todo: los muertos, los pistoleros, Django dispuesto a ser sacrificado; se oye el verso “A long way from my home” (Demasiado lejos de mi hogar) Dios ve el acto de sacrificio, ¿Tendrá Dios misericordia de Django? 

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La leyenda del tío Boonmee, de Apichatpong Weerasethakul - La Opinión

La leyenda del tío Boonmee, de Apichatpong Weerasethakul
por Juan José González Mejía

El empiezo del filme es más que elocuente: la otredad es el testimonio de un presente que requiere de todos los fantasmas para confirmar eso que llamamos realidad. Y el director tailandés Apichatpong Weerasethakul (auto nombrado Joe para evitar lo impronunciable de su nombre) lo explaya y contiene en La leyenda del Boonmee (Loong Boonmee raluek chat)/Tailandia- Alemania- Gran Bretaña- Francia- España- 2010.

             Susan Sontag apuntaba que “los sueños son los otros habitantes de la realidad”. En La leyenda del tío Boonmee lo onírico pareciera transcurrir en un plano anfibio: en el insomnio de la memoria y en la disfuncionalidad de la muerte ante la presencia de otras presencias naturales (abstractas y palpables) que se alojan acaso en las creencias y los mitos reconstruidos generacionalmente.

            La enfermedad mortal del tío Boonmee en su finca al norte de Tailandia lo convertirá en un Robinsón Crusoe cuya isla está hecha de los recuerdos de su esposa y de su hijo muertos años atrás.

 

           Los fantasmas de ambos delatarán una ambigüedad existencial y ontológica que convivirán en una reunión tanto expectante como natural. Para Weerasethakul la naturaleza es inmortal y de asimilaciones variadas. Es reencarnación y continuidad (de allí lo extraño de la vaca al principio o del pez gato después), es trasfiguración del espacio irreal a un suprarreal donde el hálito racional se estrella con lo sensorial, lo nimio con la inmediatez visual.

          El hijo de Boonmee, peludo, simiesco, no es distante de las geometrías del alma que delimitan al budismo o al hinduismo. Tiene la constitución mimética y consubstancial al arreglo cósmico- espiritual planteado por Weerasethakul para anti narrar un filme sin orillas y cuyos centros son la tradición, el miedo al más allá y a la convivencia entre las almas.

         Estamos tal vez ante la primera obra road movie espiritual del siglo veintiuno ya que emprende viajes hacia las dimensiones de lo corporal y de las inmanencias que para el efecto hay que abrir “otros ojos”.

        Película tan etérea como densa, La leyenda del tío Boonmee no es lo que aparenta ser: una exudación intelectual y estética refinada. Hay pedacerías, ahora sí, de la realidad de Tailandia. La secuencia donde aparecen soldados acompañados de homínidos o simios (en clara crítica a los regímenes militares de ese país), y los diálogos donde el director se deslinda de edulcoraciones místicas (cuando el fantasma de su mujer le dice a Boonmee que en el cielo no hay nada, y que los fantasmas están ligados a personas no a lugares) redondean la inteligente apuesta fílmica del mayor cineasta tailandés que en 2010 obtuvo por este filme la Palma de Oro, en Cannes, Francia. La leyenda del tío Boonmee es uno de los estrenos más interesantes de Zafra Cineteca, sito en calle Mata 46, en el centro de Xalapa...

Aqui el trailer:
 http://www.youtube.com/embed/rM9X3teeIhI?feature=player_detailpage

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Hadewijch, de Bruno Dumont - La Opinión

Hadewijch, de Bruno Dumont
Por Juan José González Mejía

Bruno Dumont/ Francia- 1958 es un cineasta poco convencional al cual, si revisamos algo de sus cuatro filmes La vida de Jesús/ 1997, La humanidad/ 1999, Pasiones salvajes/ 2003 yFlandres/ 2006, advertiremos que en su quinto trabajo, Hadewijch/ entre la fe y la pasión/ Francia-2009, Drumont afronta el pulimento de sus obsesiones estilísticas: personajes en apariencia comunes cuya frontera moral oscila entre la violencia contenida (contraria a la genética pregonada por Cronenberg en Una historia violenta/ 2005), casuística en un contexto específico, y el derrumbe de andamiajes emocionales frágiles.

             La joven Céline/ Julie Sokolowski, estupenda lleva a su tope la premisa mística de la monja beguina Hadewijch de Amberes, de vivir en sacrifico el amor de Cristo, en su encierro conventual. Y ante su auto exigencia de entregarse a Dios mediante el flagelo físico de no comer, no abrigarse, sólo estar rezando, la madre superiora la manda al mundo real de nuevo para que si su “camino es Dios enfrente pruebas más duras”. En su hogar burgués empero no encontrará su sino espiritual severo y, ante una vuelca de tuerca en el guión, Céline conocerá a dos jóvenes musulmanes: Yassine (Yassine Salihine) y su hermano, Nassir (Karl Sarafidis), quienes la enrolarán en un submundo hasta ese entonces desconocido por ella donde el fanatismo, ahora ya no pasivo como el de su mote Hadewijch, sino activado en una premisa temible, el terrorismo.

            Si nos enfrentamos a las palabras del propio Dumont dichas en su visita a México, a propósito de la promoción del dicho filme: “Es una película sobre el poder del amor que es perdido y la gente mata por amor y eso se ve en la obra. La protagonista está enajenada por Dios; el filme también habla de la superstición que puede llevar a la mente a volverse demente y el único verdadero amor es el humano”, tendríamos que preguntarnos si en verdad está consciente de que su película admite otras lecturas menos académicas que las que propone. Aunque nunca se aportan las causas de su exacerbada devoción hacia Cristo, entendemos que Céline persigue una suerte de purificación ideológica, lo mismo que Yassine y Nassir y he aquí la pepita de oro del filme: la cruzada emocional-místico de Céline que cabe en estos versos de la Hadewijch histórica: “Dirígete enteramente en amor/ hacia Dios el dulce, que te creó,/ y que te ayudó en esto,/ en que vivas entre gente/ que siente un amor elevado por Dios.”

          Sólo así se concebiría un guión que a ratos da la impresión que tomó rumbos seudo políticos cuestionables sobre los extremismos religiosos en vez de una reflexión moral y ética sobre la condición humana ante derroteros ideológicos, tal y como lo hizo en su posterior cinta Fuera de Satán/ 2011. Hadewijch está disponible en DVD en Zafra Cineteca, sito en calle Mata número 46, en el centro de Xalapa…

http://www.youtube.com/embed/wAPDPU9ePCw?feature=player_detailpage

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Norteado

Norteado
por Juan José González Mejía

A veces me pregunto si vale la pena pensar que el cine mexicano tiene remedio en cuanto a la calidad que ha mostrado en los últimos años. Claro que sí, no sólo vale la pena sino que hay que apoyarlo. Tal es el caso de Norteado, filme de Rigoberto Peerezcano. 

Cuando le preguntan a Andrés/ Harold Torres “¿Vas para el otro lado? ¿Cuándo piensas cruzar?” y éste responde “lo más pronto”, es probable que el director Rigoberto Perezcano (Zaachila, Oaxaca-1970) haya lanzado los dados más lúdico e irónicos sobre un tema dramático por antonomasia: la migración de indocumentados mexicanos hacia los Estados Unidos ya que el paisano oaxaqueño se quedará en Tijuana trabajando en una tienda. 

Desde el nombre que le da a los policías fronterizos “¿Andrés García? ¿Cómo el artista?”, le curiosean con cierto asombro, Andrés verá que antes de cualquier ingreso al paraíso (o infierno, según se vea) tendrá que sortear una especie de limbo con tintes amorosos entre Cata/ Susana Couoh, encargada de la tienda, su patrona Ela/ Alicia Laguna y el amigo de ésta Asencio. 

En su ópera prima Rigoberto Perezcano demuestra buena mano para no incurrir en el cliché y, hasta cierto punto, en el manierismo de algunos cineastas del cine mexicano actual: la solemnidad asfixiante. En cambio, Perezcano ofrece un relato contenido sí, pero con dosis admirables de auto escarnio y comedia seca digna del mejor Hal Hartley o Aki Kaurismaki (sobre todo cuando Andrés intenta de una buena vez cruzar la frontera con la ayuda de las dos mujeres) sazonada apeteciblemente con la canción El disgusto, de Los relámpagos del norte (con Ramón Ayala y Cornelio Reyna). 

La fotografía a ratos cuasi documental de Alejandro Cantú se reajusta cuando la historia se somete a la óptica digamos toral del filme: las vicisitudes que pasan Andrés, Ela y Cata, en un triángulo insólito dentro de nuestro cine. Por un lado se obtura en la narración del drama y destino a veces trágico de los indocumentados allende la frontera norte, empero por otro, Perezcano abre la lente para narrar los laberintos que ocurren en una frontera aún más compleja: la de los sentimientos. Andrés no puede cruzar el limítrofe de sus afectos totales, al igual que las mujeres, por la sujeción sentimental (y obligatoria acaso) con su esposa e hijos en Oaxaca. 

Prometedor debut de Rigoberto Perezcano con este filme que ofrece múltiples lecturas sobre un asunto complejo y longevo, la emigración ilegal hacia los Estados Unidos. Norteado se encuentra disponible en DVD en Zafra Cineteca, en su nuevo domicilio de calle Mata 46, en el centro de Xalapa…

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"Escrito con Sangre" Dir. Fabrizio Prada - La Opinión

Escrito con sangre

Crónica de las gélidas vivencias

Por Guillermo P. Nonalaya Jimenez

 

Pasando por alto un juicio concerniente a los aspectos técnicos y fílmicos de la película, Escrito con Sangre sobresale por su refrescante planteamiento en cuanto a la mente humana en general y la sociedad xalapeña en particular, lo cual puede resultar incomodo para muchos ciudadanos. El trasfondo de la historia, un turbio asesinato y un periodista que asume el papel de detective en el mismo, nos remite a las clásicas y románticas (casi legendarias) historias del cine noir y las novelas del género. Pero fuera de centrarse en la figura del criminal o de la victima, el argumento se hilvana esencialmente alrededor de los testigos, cuyas manías, temores y anécdotas complementan con pertinencia la propia figura del periodista-detective.

En efecto, la imagen del genuino (pero soterrado) ethos xalapeño es el merito del film. Si la película careciera de este trasfondo no podría explicarse la naturaleza del propio crimen o del protagonista principal. Incluso ambos llegarían a notarse falsos, forzados (tipo deux ex machina),  sin razón de ser. Para desentrañar esta realidad no es necesario contar con la formación propia de un analista de la psique. Basta con haber vivido tiempo suficiente en el ambiente de nuestra ciudad y dejar permearnos por ella. Es ahí donde salen a relucir los sueños rotos, las historias fragmentadas, la apatía e indiferencia, el desasosiego y la impotencia, valores tan característicos de estos tiempos. Cabe aclarar que si bien no son dolencias exclusivas a Xalapa, en ella adquieren sus rasgos particulares, tan perturbadores para los que la respiran a diario. Escrito con sangre puede ser un cruel espejo de realidades.

Así, todos somos culpables y victimas. Incluso cabe preguntase si efectivamente hubo un crimen o solo una anécdota mas para nuestros anales. Cualquier interpretación es valida: una lectura teológica, psicoanalítica o antropológica. No hay diferencias, pues a fin de cuentas todos somos sufrimos, todos somos Xalapeños.

 

Parte del elenco y producción de "Escrito con Sangre" durante la premiere el pasado 29 de nov en el Cine Carmela Rey FOTO: Guillermo P. Nonalaya

 

Escrito con Sangre estará disponible al público hasta el 16 de diciembre. La entrada vale $25. No pierda la oportunidad de ir y así apoyar al cine independiente.

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George Harrison viviendo en el mundo material - La opinión

Un campo con flores, una escena de paz, es lo que nos presenta Scorsese mientras una voz en off dice, anda George vuela y se libre. George Harrison aparece en pantalla y se oculta como niño entre las flores. Así inicia George Harrison viviendo en el mundo material, documental que narra paso a paso la vida del integrante que formó parte de la mítica banda The Beatles, desde sus inicios hasta su muerte.

Scorsese juega un poco con sus dotes de cineasta y plasma rasgos humanos dentro del documental para crear en el expectador asombro, familiaridad, caos, vergüenza, suspenso, entre otras emociones; además durante 3 horas y media intenta contar la historia de un hombre que lejos de ser deslumbrado por los reflectores de la fama al lado del cuarteto más famoso de la historia, The Beatles, trata de encontrar la paz interna en su música, las drogas yla meditación.

Es interesante el juego de la edición en la primera mitad del documental que corresponde a la historia de George Harrison abordando un poco su niñez y posteriormente su participación con los Beatles, aquí el corte crea emoción, tensión y repulsión, y no es de sorprender pues el crecimiento de la fama fue acelerado en ese momento; parecía que nos estaban dando de comer espagueti una y otra vez hasta hartarnos, así era el ritmo acelerado que llevaron durante 10 años los Beatles, sin saber que día estaban viviendo, tocando y ganado dinero, teniéndolo todo.

Scorsese nos muestra a un George descrito por sus conocidos como el Beatle tranquilo, el que ponía equilibrio entre un John Lennon alocado y un Paul McCartney con rostro de inocente. El hombre que era un ángel de la paz y mas tarde un ángel de la ira; el George Harrison que callaba sus canciones por que Lennon y McCartney se apropiaban de todo, el que aportó maestría a muchas canciones del cuarteto y que hasta ahora se le reconocía cierta autoría, como por ejemplo, en la canción And I Love Her, escrita por Paul McCartney, la guitarra que da ese toque característico a la canción fue compuesta instantáneamente por George Harrison. El documental muestra que Paul McCartney defendía sus creaciones al grado de no permitir que Harrison influyera demasiado. Un cuarteto que en el fondo guardaba el celo de competir entre sí y que al final ocasionaría la ruptura inminente de la banda más famosa del siglo XX. Temas ícono de George Harrison como Something y While My Guitar Gently Weeps terminarían siendo un producto logrado a base de sacrificios y muchas vueltas de hoja.

El documental empieza a darse respiros cuando se inicia el viaje a la India, la entrada de Ravi Shankar a la vida de George, su busqueda por la espiritualidad y su experimentación con el LSD.

Lo que sigue después de esto es uno de los primeros descubrimientos sobre la vida de George Harrison, se aprecia su ruptura de The Beatles y su regreso a la música de la mano de Phil Spector; su experimentación con la citara, su apoyo a la India con el concierto de Bangladesh, su amistad con Eric Clapton que le costaría su propio matrimonio; sus colaboraciones con Bob Dylan, Roy Orbison, Tom Petty, y su contínua busqueda por encontrar la paz luego de ser diagnósticado con Cancer y sufrir un intento de asesinato. El George que permaneció callado al mundo y solo se rodeó de sus conocidos. El hombre que buscaba un encuentro espiritual rodeado de un inminente mundo material. Sin duda George Harrison: Living in the Material World es un documental imperdible para todo fan de The Beatles y más para los seguidores de su trayectoria.

En Xalapa se proyectará el jueves 15 de marzo de este 2012, a las 5:25 pm. Cinépolis Plaza Museo. Será Ultima Función.

http://www.youtube.com/watch?v=FofIc9_XhPo

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El Gran Milagro, la primer película mexicana en 3D.

Por Rafa López

Bien, es momento de hablar de una película que ha generado muchas críticas, algunos la elogian como la primer película mexicana que se ha realizado en 3D, llena de un mensaje que alimenta de fe y esperanza, otros la desprecian por no reunir suficiente calidad animada o por tratarse de un film relacionado a la iglesia católica; para este tipo de película es difícil hacer una crítica objetiva, pues habrá un lado de la moneda que se prefiere más que otro, y tratándose de una película con un mensaje que se sumerge en la religión habrá mucho en controversia.

Siguiendo el consejo del maestro Juan José González Mejía, debemos decir, amable lector, que para dar una crítica a una película, hay que quitarse todos los ojos posibles para verla solamente con el ojo de espectador, esto es, no tener prejuicios, y tratándose de este film, no hay que caer en el error de decir, es una película "solo para católicos", no, primero hay que ver el mensaje que quiere transmitir, los recursos que utiliza para hacerlo y por ultimo la emoción que genera en uno, atendiendo a estas tres partes daremos nuestro punto de vista del Gran Milagro.

El Gran Milagro cuenta la historia de 3 personas en algun lugar de México; una madre que tiene problemas económicos, un hombre duro que no sabe que hacer ante un problema familiar y una ancianita que cansada de lo mismo ha decidido romper con su rutina; estas personas serán elegidas para presenciar "el gran milagro", donde serán testigos de lo que sucede y no puede ver la gente ordinaria a nivel espiritual, un mundo donde los ángeles de la guarda están presentes y donde demonios acechan a la orden del día.

La película está basada en testimonios místicos, esto es, inspirada en visiones de gente con fe católica-cristiana, para el público creyente (es decir catolicos de tradición pero que no precisamente van a misa o siguen la fe), la película cumplirá doble objetivo, se entenderá, va a entrener y también servirá de revelación, pues demostrará de forma interesante, misterios que solo los mismos angeles podrían revelar, por otro lado; para el público ateo (los que rechazan todo credo religioso) será un interesante relato que bien puede ser apreciado como un género de fantasía.

No hay duda que es una película que tiene un objetivo, provocar un cuestionamiento interno sobre, ¿Será cierto que hay un mundo espiritual? ¿Hay vida después de la vida? ¿Dios existe?, será interesante para el espectador identificarse con alguno de los personajes y olvidarse que se trata de una cinta animada, para que durante 70 minutos sea testigo de lo que ellos verán.

La música juega un papel importante en la película, Mark Mckensie (compositor de la música de películas como Mente Indomable, Spiderman) sensibiliza con una banda sonora celestial, llena de fuerza y paz, incluso se rumora que puede ser nominado al oscar.

La animación es aceptable para tratarse de la primer película mexicana animada en 3D, por mencionar detalles de realización, trabajaron 20 personas siendo 12 los animadores, el proyecto duró 3 años, y su presupuesto comparado con el de producciones estadounidenses solo llega al 1%. El Gran Milagro es también el primer filme de animación mexicano en estrenar al mismo tiempo en las principales ciudades de México y simultáneamente en varias sedes en Estados Unidos.

Patricia García Peña, productora de la empresa de animación mexicana "Imágica Films", estuvo a cargo de la producción en línea y junto con Gregorio Núñez, desarrollaron una línea de producción que con apenas 12 animadores mexicanos lograron darle mayor velocidad al proceso de animación, lo cual hizo posible concluir el largometraje en un tiempo récord.

Como Bruce Morris, el director de la película, quien ya habia tenido experiencia a cargo de proyectos de animación (Buscando a Nemo, La Princesa y el Sapo) es de origen estadounidense, los animados fueron basados en el idioma inglés, por lo que la boca de los personajes no presentará la misma gesticulación hablada en español, detalle que muchos calificarán como fallo de animación.

El gran milagro sin duda fue realizar la película, mucho tiempo y mucho trabajo, ahora el gran milagro es que siga en cartelera para que el público la vea, sin embargo, puede haber otro gran milagro, que el espectador que vea la película realmente provoque algo en él, y no es de sorprender, pues ya se ha dado en la opinión del público que mencionan, "apesar de ser una película animada, me ha cambiado la vida", repetimos, para el público que vaya con el deseo de encontrar un mensaje de fe y esperanza, el gran milagro estará esperándolo.

En Xalapa solo estará hasta el 27 de octubre.

Aquí el trailer

http://www.youtube.com/watch?v=jN8wa20m4Jc

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El origen del planeta de los simios "Re-evolucionando una franquicia"

Amigos cinéfilos hemos visto el Origen del Planeta de los Simios, tambien llamada Planeta de los Simios Re-evolución, debemos decir que tienen que ir a verla, es una cinta bastante interesante, fuera del tema de la ciencia ficción, para los que piensan que se trata de otra pelicula que cae en el casillero de Star Wars, para nada, estamos frente a una renovada versión que se aprovecha de la primicia legendaria de los 60s para los que ya vieron el film viejito de 1968, pero repetimos, se aprovecha para bien, y nos trae a la época actual para contarnos una historia que bien puede suceder en la vida real, asi que Planeta de los simios Re-evolución se coloca como una cinta que no solo es entretenida, sino que además plantea un cuestionamiento, aqui el rollo gira en torno a, ¿Qué pasaría si el hombre en su afán científico le diera más inteligencia a cierta especie animal, al grado que ésta se revelara contra su creador?, pues bien, Planeta de los simios Re-evolución plantea eso, la rebelion animal armada de los mejores efectos especiales puestos al servicio de un justificado planteamiento, no es la clásica pelicula dominguera que usa efectos como pretexto para vender, aqui es al revés, la historia que atrapa al expectador desde el principio y va deleitandole con el uso de los efectos para darle una vez más, realidades que solo podrían suceder en dos lugares, en el cine y en su imaginación.

A los fanáticos de la saga les gustara mucho, pero lo interesante es que no necesitas haber visto alguna de las viejitas para esta, pues aquí estan partiendo desde el inicio, otro dato curioso es que viendo esta película podría el expectador saborear mejor la legendaria Planeta de los Simios de 1968, pero por otro lado, algo nos hace sospechar que ahora podrían inyectarle nuevo sabor a esta saga reiniciada y llevarla cronológicamente hasta su formación total como "Planeta de los simios". Olvidate de la pelicula del 2001 de Tim Burton "Planeta de los Simios" queda totalmente fuera de lugar y no creas que viendola aprenderas más o te servirá para ver esta, sigue nuestro consejo, ve Planeta de Los Simios de 1968 y la otra del 2001 no la veas, ahora que si decides ver antes Planeta de los Simios Re-evolución, como te lo mencionamos, adelante.

Ahora bien, si no has visto la película todavía deja de leer a partir de aqui, y cuando la veas, podras seguir leyendo.

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Planeta de los simios Re-Evolucion nos deja apenas con la probadita de lo que será la Tierra, El Planeta de los Simios, la humanidad en fase de extinción, Icarus perdido en el espacio, Cesar encabezando el reinado simio, todo lo que se cuenta en las leyendas de la película "El Planeta de los Simios" 1968, ahora bien, originalmente en las sagas, Cesar venía de dos simios que venian del futuro en una nave espacial, interesante sería que la droga que utilizaran en la película fuera producto de alguna caja de pandora que viniera del futuro, respetando así la primicia de que Cesar es hijo del futuro, ahora bien, mientras la humanidad se extingue y los simios dominan el planeta, Taylor y otros dos astronautas permanecerán perdidos 2 mil años, ya para entonces con los cambios climáticos de la tierra no será dificil creer que Nueva York ya no exista, la estatua de la libertad efectivamente permanezca enterrada, y los ultimos vestigios de la humanidad se hallen en las ruinas de las consideradas hoy ciudades modernas, si fuera el caso, nos tendrían que contar que pasará en la tierra durante esos dos mil años antes que regrese Taylor (Charlton Heston) y descubra la terrible verdad.

Curiosidades del Planeta de los simios Re-evolución

• Se menciona a la nave Icarus que tiene como destino Marte
• Cornelia es una hembra simio que está enjaulada en el albergue de simios, cuando Cesar ve que ha sido llevada al complejo de experimentación decide ir a liberarla, pero eso no lo percibe a simple vista el expectador, se sugiere que probablemente se retiro una escena donde Cesar se enamora de Cornelia
• Cornelius es el nombre del Padre de Cesar en la saga del Planeta de los Simios, es posible que sea alusivo el nombre de Cornelia como posible pareja de Cesar.
• El simio de circo que conoce a Cesar en el albergue se llama Maurice, como el actor Maurice Evans que interpretaba a un orangutan llamado Dr. Zaius, un sabio de la saga del Planeta de los simios, probablemente Maurice sea el patriarca de la familia de sabios en esta nueva raza de super simios.
• Buck, por otra parte es el nombre del gorila, es un guiño al actor Buck Kartalian, quien interpreto al Gorila Julius en la original Planeta de los Simios.
• Ojos brillantes que es la mamá de Cesar, su nombre también se lo ponen a Charlton Heston en el original Planeta de los Simios.
• Koba es un simio diferente, es un konobo, mientras que Cesar es un chimpance, parece ser que habrá diferencias entre ellos, nos suena a segunda parte?.

• Andy Serkis, que interpreta a Cesar, como modelo animado por computadora, también interpretó a King Kong y a Gollum! asi que podríamos decir que la actuación aunque es animada, se la lleva Cesar!

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127 horas, el nuevo film de Danny Boyle - Critica

Preparense para 88 minutos de tensión al límite, el ganador del oscar Danny Boyle, el cineasta que nos sorprendio con una de las películas mejor logradas en torno al cine de zombies, “Exterminio” el que tambien jugo a ser millonario, y nos llevo a la india para retratar el amor y el destino en  “Quien quiere ser millonario” regresa ahora con una cinta extrema que llevará al expectador a un viaje en torno a la supervivencia.

127 horas, trata la verdadera historia de Aaron Ralston, un joven amante del alpinismo y de los deportes extremos, que decide irse solo a recorrer el desierto del gran cañon, Aaron comete un error fatal y queda atrapado en una grieta, lo unico que lleva consigo son sus cámaras de foto y video, un reproductor de mp3, y su lunch para ese dia, lo que no tiene contemplado es que estará atrapado durante mucho tiempo.

Al leer este argumento podriamos caer en la premeditada critica, de creer que se trata de un film comun de esos donde un individuo sufre, se redime y vive, pero Danny Boyle, quiza toma un argumento ya visto, pero decide contarlo a su manera, nuevamente juega con la cámara, la fotografía natural esta muy bien capturada, y por otro lado nos lleva al juego de cámara en mano muy intima, planos muy a la holandesa "inclinados" tomas llena de vertigo y viajes imaginarios a los rincones más inesperados, time laps llenos de la fuerza de la madre naturelza, en cuestion musical, Boyle selecciona cuidadosamente los temas para este film, escucharemos ese sonido dance que usa en sus films mezclado con los sonidos ambientales de la tensión, por otro lado, la película en su totalidad sorprende al atrapar al expectador en un ambiente lleno de claustrofobia, Boyle además incluye dosis de surrealismo, ensoñaciones, nos llevara dentro del pensamiento del personaje, jugará con las herramientas modernas, como los comerciales, la televisión, la cultura pop, fusionandola en entornos de soledad y frustración.

127 horas, no deja de ser una propuesta comercial, pero con un mensaje intimo y universal, imagina que de pronto quedaras atrapado, imagina que todo los planes que tienes y todo lo que has vivido, ya no va a suceder, dense la oportunidad de ver este film, que les dejara una estremecedora reflexión, si vale la pena.

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El Cisne Negro "The Black Swan" Darren Aronofsky regresa con todo! Crítica

ítica

Hace algunos años, cuando vi un mundo en blanco y negro junto con unos movimientos bruscos de cámara, imágenes sobrias y un personaje con tintes de locura y genialidad, descubri que Pi el orden del caos era un cine con muchos matices experimentales llenos de destreza, la ópera prima de Darren Aronofsky fue adorada por mis compañeros amantes del algebra, mientras que su servidor, amante del cine, quedo asombrado por las imágenes más que el contenido, posteriormente, entre el bajo mundo de los frikies enamorados del cine de arte, llego a mis manos la segunda entrega de Aronosfky, Requiem por un sueño,  hoy ya titulo de culto, una estupenda cinta nuevamente cruda y adornada de mucha acidez fílmica, un soundtrack inolvidable acargo de Clint Mansell y unas imágenes que se quedarian para la eternidad en mi inconciente, como la del brazo gangrenado de Jared Leto, poco puedo hablar de las dos peliculas siguientes, La fuente de la vida, una fumada odisea mística y por otra parte, El Luchador, una cruda pieza rodeada de muchas tripas por parte del director, pero desde que vi el trailer del Cisne Negro y luego vi, "un film de Darren Aronosky", dije, este es el regreso del oscuro autor de Requiem por un sueño, y efectivamente, es el regreso.

El Cisne Negro, trata la historia de una bailarina muy perfeccionista que es elegida para interpretar a la Reina Cisne en el Lago de los Cisnes, pero hay una variante interesante, ella deberá interpretar a un cisne blanco, docil y frágil y a un cisne negro, sensual y violento, aquí es donde la línea entre la ficción y la realidad llevarán al expectador a un juego del gato y el ratón.

Aronofsky transporta al expectador a una atmosfera llena de miedos y ansiedades al mismo tiempo que nos revela la sensible linea que existe entre la cordura y la perfección, Natalie Portman, a pesar de interpretar un papel complejo, pero a ojos del expectador, muy liviano, cierra su interpretación de maravilla, Aronofsky esta vez nos va a sorprender jugando con la trama, habrá efectos visuales inesperados, morbo físico como el que ya comente de Jared Leto y nuevamente bruscos movmientos de cámara en mano, muy a la ola francesa, por otra parte Clint Mansell nos llevará esta vez a un mundo musical clásico con piano y violines dandonos matices bellos y retorcidos a la vez para dar ese tono gris de thriller

Sin duda es una muy buena propuesta para aquellos fanáticos del cine de Aronofsky, habra nuevamente acidez filmíca, buena para los gustosos por el ballet y el ambiente de la danza y el teatro, ya saben, peliculas donde ves como ensayan y ensayan y se ve la frustración, el placer y sin duda buena para los que gustan de thrillers llenos de suspenso.

Solo puedo decir que el final de la película hizo que me pusiera de pie y estallara de alegría, aplausos para el maestro Aronofsky!

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Tron Legacy "Defraudado por el 3D" La opinión

Amigos cinefilos, reciban un cordial abrazo de año nuevo, acabo de ver Tron Legacy, lejos de ser una película que se vuelva de culto, no deja de ser un producto meramente comercial y peor todavía, llevado de la mano de Walt Disney Pictures, debo decir que estoy desilusionado por gastar tanto dinero en entrar a verla en 3D, desde que inicia la película aparece una advertencia clara que te indica que al parecer las cosas no van a estar del todo bien, te dice que aunque algunas escenas son en 2D algunas vienen en 3D asi que no te quites los lentes, cosa que me percate como a la mitad de la pelicula, que te podias quitar los lentes y ver la pelicula sin problema, eso indica un fraude por parte del cine en 3D, recuerdo, todavia en mis ayeres, cuando vi una película en IMAX llamada Tridimania, ahi cuando no existian todavia cines en 3d, corria el año 2001 y en la pelicula quedabas practicamente como un bobo impresionado como se salian las cosas, gotas de agua, cristales, una experiencia de montaña rosa, o la escena de un tren que de pronto rompe la pantalla y ves!! que sale realmente de la pantalla!! y entre el público puedes ver como se acerca a ti y posteriormente solo deja los restos de humo flotando en la sala, increible!! no se si sea demasiado ingenuo, pero esperaba ver un cine digno de verse en 3D pero acabo de comprobar que no es asi, quiza algunos diran, si se sale, pero estaremos de acuerdo que varia que tipo de cine y el sistema de 3D que maneja, debo decir que la vi en la sala 1 de cinepolis plaza americas, macropantalla, y eso que investigue en foros, cual de todos los 3d de mexico es el mejor y dicen que los de cinepolis son mejor que cinemex y cinemark, por mencionar, si esto es lo mejor, llego a la triste conclusión y alivianante a la vez, que no vale la pena gastar tanto en una proyección en 3D, $80 pesos, siendo que no vas a tener la "experiencia involvidable" que amerita el formato.

Por otra parte no comento si la pelicula es buena o no, solo puedo decir que es una película para fanáticos del género, si te gusto Tron o te atrapa la idea cibernetica, es tu género, de ahi en fuera no dejara de ser una película "jalada" como dijera el cinéfilo promedio, se dijo que habia referencias o guiños a películas como Terminator, Star Wars y Matrix, esperaba algo asi, pero prefiero mil veces ver Matrix a ver Tron, la música es otra de las cosas por las que fui, Daft Punk, esperaba quiza mas de Daft Punk, pero algo me dice que le quitaron musica a la película, no le senti esas tripas a Daft Punk, ni siquiera en una escena de discoteque, todo el sonido se va al carajo en menos de 2 min, no hay una experiencia visualmente impresionante rodeada de musica electronica "como lo esperaba", reconozco que soy un cinéfilo exigente, más con las super producciones destinadas al espectaculo visual rodeado de efectos especiales.

Debo decir que lo mejor de Tron es el look cibernetico que le dieron a la película, Olivia Wilde en un entallado traje negro y las secuencias de batalla con los rayos que cuelgan detrás.

Destaca un personaje que se roba la película un tipo que bien pudo haber sido el villano, "Castor" un Michael Sheen que antes le habiamos visto en las peliculas de Underworld como Lucian, hace un estupendo villano amanerado que bien pudieron haber explotado mas!.

Pues bien, mi recomendación es que no gasten en un 3D que no supera las expectativas, mejor veanla en formato normal, asi se ahorran una lana y se evitan la frustrante sensacion de haber gastado $500 en entradas, palomitas y refresco esperando la mejor experiencia en 3D de tu vida y que al salir te jales los pelos y digas porque no llega el 3D como debe ser! porque!!

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