Las 15 reglas de oro para hacer películas segun Danny Boyle

Danny Boyle, el exitoso director de películas como Trainspotting, Slumdog Millionare, 28 Days Later y la recientemente estrenada Trance, escribió esta lista de sus 15 reglas de oro para hacer películas exclusivamente para la revista MovieMaker.

Gracias a Blogacine, compartimos este interesante artículo. Aqui van:

1. El DIRECTOR DEBE SER UNA PERSONA SOCIABLE • El noventa y cinco por ciento de tu trabajo es el manejo del personal. Las personas que nunca lo han hecho imaginan que se trata de un acto, como pintar un Picasso en un lienzo en blanco, pero no es así. Dirigir es sobretodo acerca de manejar los egos de las personas, las vulnerabilidades y los estados de ánimo. Todo es cuestión de tratar de llevar a todos a un punto de ebullición (climax, explosión) en el momento oportuno. Hay que asegurarse de que todo el mundo está en la misma película. Suena estúpidamente simple, como “Por supuesto que están en la misma película! ‘Pero todo el tiempo ves películas donde claramente la gente no estaba en la misma película juntos
2. CONTRATA GENTE TALENTOSA • Tu principal trabajo como director es contratar a personas con talento y tener el espacio adecuado para que ellos trabajen, tengo un gran respeto por los actores cuando están actuando, y espero que la gente se comporte. No quiero ver a la gente leyendo periódicos tras la cámara o susurrando ni nada de eso.
3. APRENDE A CONFIAR EN TUS INSTINTOS • Lo ideal es hacer una película a medida que avanzas. No quiero decir que seas irresponsable y que, literalmente, no tengas ideas, pero lo ideal es que hallas cubierto todo, cada ángulo, de modo que seas libre de hacerlo de cualquier otra manera. Incluso en películas de bajo presupuesto, tienes responsabilidades financieras. En caso de que la cagues, aún puedes recurrir a una de las maneras de hacerlo. Tienes un Plan A al cual volver, a pesar de que siempre lo debes hacer con el Plan B si es posible. De esta manera lo mantienes fresco para los actores, y para ti.
4. LA PELÍCULA OCURRE EN EL MOMENTO • Lo que es extraordinario de las películas es que la haces en el día, y entonces es así para siempre. Ese día, el actor podría haber roto con su esposa la noche anterior, por lo que inevitablemente va a leer diferente una escena. Va a ser una persona diferente.
   Vengo de teatro, que es vivo y cambia todas las noches. Pensé que las películas iba a ser lo contrario a eso, pero no lo es. Cambia cada vez que lo ves: Diferentes audiencias, diferentes lugares, diferentes estados de ánimo en los que estas. La cosa (la película) se ​​arregla lógicamente, pero aún así cambia todo el tiempo. Tienes que hacerte la idea (tener claro) de esto.
5. Si TU ULTIMA PELICULA FUE UN GRAN ÉXITO, NO TE ASUSTES • Tenía una obsesión con la historia de 127 horas, que precedió a Slumdog Millionaire. Pero sé, porque no soy un idiota, que la única razón que [el estudio] nos permitió hacerla fue porque Slumdog hizo montones de dinero para ellos y sintió la obligación de alguna forma. No una obligación de dejarme hacer lo que quisiera, pero de alguna manera te dan un pase libre en el carrousel.
6. NO TENGAS MIEDO DE CONTAR HISTORIAS SOBRE OTRAS CULTURAS • No puedes simplemente secuestrar una cultura para tu historia, pero puedes beneficiarte de ella. Si entras en ella con la actitud correcta, puedes aprender mucho acerca de ti mismo, así como sobre el potencial de las películas en otras culturas, lo cual fue algo que tratamos de hacer con Slumdog Millionaire … La mayoría de las películas todavía se hacen en Estados Unidos, sobre estadounidenses, y eso está bien. Pero las cosas están cambiando y creo que Slumdog fue prueba de ello. Habrá más pruebas a medida que avanzamos.
7. USA TU PODER PARA BIEN • Uno tiene tanto poder como director que si eres bueno del todo, deberías ser capaz de utilizarlo para el beneficio de todos. Uno tiene tanto poder para dar forma a la película de la manera que uno desea que, si estás en forma y has hecho una preparación correcta y estás listo, deberías ser capaz de hacer un buen trabajo con ella con las otras personas.
8. NO TENGAS EGO • Tu proceso de trabajo, la forma en que tratas a las personas, tu creencia en la gente, en última instancia, se reflejará en el propio producto. Los medios de producción son tan importantes como lo que se produce. No todo el mundo cree eso, pero yo sí. No voy a tolerar que nadie sea maltratado por nadie. No me gusta nadie gritando o abusando de la gente ni nada de eso. A veces ves a la gente esperando que seas así, porque han tenido una experiencia como esa en el pasado, pero no soy un creyente de eso. La textura de una película se ve afectada en gran medida por el honor con que tu la haces.
9. HAZ QUE EL PROCESO DE PROYECCIONES DE PRUEBA SIRVA PARA TI • Las proyecciones de prueba son difíciles. Te ponen nervioso, exponer la película, pero son muy importantes y he aprendido mucho usándolos. No tanto de todo el proceso de las tarjetas y de los debates después, pero la experiencia en vivo de estar sentado en un auditorio con un público que no sabe mucho acerca de la historia que vas a contar, eso me parece tan valioso. He aprendido no tanto a que me guste, pero a valorar lo importante que son. Yo creo que tienes que hacerlo, realmente.
10. VEN AL SET CON UN LIBRO DE LOOKS (Estilos) • Siempre tengo una Biblia de  fotografías, imágenes con las que ilustro una película. No me refiero estrictamente a storyboards, quiero decir para inspiración de las escenas, para apariencias, para ideas, para personajes, para vestuario, incluso para los decorados. Estas imágenes pueden venir de cualquier parte. Pueden venir de lugares obvios como grandes fotógrafos, o pueden venir de los anuncios de revistas, de cualquier lugar la verdad. Yo las compilo en un libro y siempre lo tengo conmigo y se lo enseño a los actores, al equipo, a todo el mundo!
11. INCLUSO LAS FÓRMULAS PERFECTAS NO SIEMPRE FUNCIONAN • Como director tu trabajo es encontrar el ritmo (pulso) de la película a través de los actores, que está en parte vinculado a su talento y en otra parte a su carisma. El carisma es algo indefinible, gracias a Dios, o de lo contrario se prescribiria de la forma en que químicamente haces un nuevo analgésico. En el cine, y esto conduce a una gran cantidad de tragedia y angustia, a veces se puede tener la fórmula más perfecta y todavía eso no funciona. Esa es una realidad de la que todos somos víctimas unas veces y nos beneficiamos otras veces. Pero si sigues tus propios instintos y tomas un voto de confianza, entonces al menos puedes estar orgulloso de la forma en que lo hiciste
12. TOMA LA INSPIRACION DONDE LA ENCUENTRES • Cuando estábamos promoviendo Slumdog Millionaire, estábamos más o menos lado a lado con Darren Aronofsky, quien también estaba con Fox Searchlight y promovía The Wrestler. La vi y fue realmente interesante, Darren acababa de decidir que iba a seguir a todas partes a este actor, y fue maravilloso. Pensé: ‘Quiero hacer una película así. Quiero ver si puedo hacer una película así. “Es una película sobre un actor. Se trata de la naturaleza monolítica de la película a veces, ¿sabes? Se trata de una actuación dominante.
13. EMPUJA EL COCHE • Creo que siempre hay que tratar de llevar las cosas tan lejos como puedas, de verdad. Yo lo llamo “empujando el coche.” Ya sabes, como un coche donde paseas a un bebé. Creo que siempre hay que empujar el cochecito hasta el borde del acantilado, para eso es que la gente va al cine. Esto podría aplicarse a una comedia romántica, empujas algo hasta donde aguante. Creo que esa es una de tus funciones como director … Sólo te arrepientes si no lo haces,  no haber empujado. Si haces tu trabajo bien, te sorprenderás de lo lejos que el público irá contigo. Van a recorrer un largo, largo camino y ya han recorrido un largo camino sólo para ver la película!
14. SIEMPRE DA EL 100 POR CIENTO • Debes estar trabajando al máximo absoluto, todo el tiempo. Ya sea que te acrediten con cosas que al final no importan. Enfocarse en exigirte tanto como sea posible. No suelo escribir, pero me encanta sacar provecho de la escritura, me encanta tener los escritores escribiendo y luego sacar provecho de ello. Saco provecho de los escritores de la misma manera que saco provecho de los actores.
15. ENCUENTRA TU PROPIO “…Aire” • Una lección que aprendí de A life less Ordinary era sobre cambiar el tono, no estoy seguro de que puedas hacerlo. Cambiamos el tono a una especie de tono de Capra, y cada vez que tengas que hacer algo más con un “aire”, estás en problemas. Esa sería una de mis reglas: nada de “aires” No intentes nada con un (aire) Coen ni un (aire)Tarkovsky ni nada, porque te vas a meter en un montón de problemas. Tienes que encontrar tu propio “aire” y luego lo mantienes.

La lista original en ingles la pueden leer aquí: http://www.moviemaker.com/articles-directing/danny-boyle-15-golden-rules-filmmaking/  y bueno si ven graves errores de traducción no duden en compartirlos.

Categories: Biografías, Directores

Jodorowsky: Crónica de un hombre llamado Alejandro, excepto cuando se llama Alexandro

"Amo todo lo que no es normal"
-Jodorowsky

Por Mr Dusc

Todo comenzó en Tocopilla, Chile, durante el invierno a inicios de 1929… fue cuando Alejandro (ocasionalmente autonombrado Alexandro) nació, en el seno de una familia judío-ucraniana, cuyo abuelo compró el apellido a un noble polaco…

Alumno de Marcel Marceau, escritor de novelas, poemas, libros de autoayuda, teatro de vanguardia, teatro guiñol, comics (y es en este donde se encuentra su trayectoria más amplia, influyente y redituable, lo que le ha dado de comer todos estos años); hizo pantomimas, musicales, marionetas, performance, los llamados actos efímeros; fue  habitante de México por 14 años (1960-1974), oficiante de la boda de Dita Von Teese y Marilyn Manson, tuitstar, sanador por medio de la psicomagia (método de su creación, quizá paródico , que intenta curar trastornos psicológicos y somáticos a través de actos simbólicos); co-creador del Movimiento Pánico (expresión precedida por la confusión, memoria, inteligencia, humor y terror)… y muchas cosas más en su curriculum vitae…

En 1957, instalado en París, irrumpe en el cine con el cortometraje mudo La Cravate (alabado por el mítico cineasta Jean Cocteau), obra perdida durante 50 años hasta que, por mera coincidencia, fue encontrada en un desván alemán.

Una de las muy normales escenas

El 17 de noviembre de 1968 se lleva a cabo el acapulqueño estreno de su primer largometraje Fando y Lis. El film resultó tan bello al ojo humano que al final de la exhibición, se dice, el director en ciernes tuvo que escapar de una chusma enardecía que quería lincharlo, incluso de un Emilio “El Indio” Fernández que le amenazó de muerte…  se pidió la expulsión del autor del país y solo se pudo apaciguar la ira del pueblo atolondrado gracias a la intervención del respetado director Roman Polanski (más tarde acusado y encarcelado por violación de una menor), quien apoyaba la ausencia de limites creativos.  La trama consiste en el viaje post-apocaliptico de una pareja de enamorados hacia la teórica ciudad de Tar, ella incapaz de caminar, debe ser cargada por él todo el camino, lleno de conflictos, personajes raros pero, más que nada, deliciosas incoherencias.

El vaquero ni tan simpático de El Topo

1970 dirige y estelariza El Topo. Una suerte de western metafísico-surrealista. La historia de un vaquero dividida en 3 partes: La búsqueda de su destino, la realización del mismo y su intento de reivindicación. Destacan los 4 maestros del revólver y el uso de personas con deformidades diversas. Este film de culto lo vuelve mundialmente famoso y le brinda la admiración (y donación monetaria) de John Lennon.

Fue con ese dinero beatleriano, que logró realizar en 1973 su obra más mística y esotérica, por muchos considerada su obra maestra: La Montaña Sagrada (aka The Holy Mountain). El viaje/búsqueda espiritual de 9 personajes, basados en Eneagrama de la Personalidad, por rumbos y actividades surreales así como referencias al consumismo moderno y la perversión del sexo (solo por abordar la punta del iceberg).

Izquierda: Escena del film La Montaña Sagrada de Jodorowsky
Derecha: Escena del vídeo musical Born Villain de Manson

Parte de un equipo que sería algo
así como los Avengers de la locura

Entonces llegó a sus garras la mayor película jamás filmada: Dune, basada en la novela de ciencia ficción de Frank Herbert, con dirección artística del dibujante de comics, Moebius; diseños del creador del alien del film Alien, H.R. Giger; música del Pink Floyd, actuación del aterrador de poblaciones y gigantesco (en más de un aspecto), Orson Wells; con un sueldo de 100, 000 dólares la hora, el maestro Dalí, como el demente emperador de la galaxia. Claro que, la parte de “mayor película jamás filmada” debe ser recalcada, dado que tras 5 años de trabajo, el productor canceló y el film terminó siendo hecho años después por David Lynch… Pero la máxima de Alejandro: “fracasar es sólo cambiar de camino” lo llevó a reunir con Moebius la visión que habían creado y realizaron las obras maestras del comic Los Metabarones y El Incal. Este triste episodio sirve de tema al cineasta Franck Pavichc para su documental Jodorowsky's Dune, a estrenarse en Canes este año.

Así llega 10 años después su obra menos memorable: Tusk, sobre una niña y un elefante en la India. Posteriormente, en 1989, un tanto desdibujado, estrena Santa Sangre, película mexicana de suspenso, irrealidad, circo, muerte y una muy memorable escena sobre el funeral para un elefante que culmina con el cadáver del mismo lanzado a un precipicio donde se convierte en el esperado banquete de los paupérrimos.

La película es tan mala que preferimos
ilustrar con esté lindo arcoíris

En 1990 llega su último film (no por mucho tiempo): The Rainbow Thief, estelarizado por Peter O'Toole y Omar Sharif la desangelada historia de un millonario venido a menos y su oportunista ayudante; carente de las características del cine jodorowskyano, por culpa de la presión del productor… orilló al director a perder el interés por el cine durante un tiempo… después volvería el interés, pero no el presupuesto para filmar. Es así como se queda en el limbo del celuloide, King Shot (antes Abel Cain, antes Los Hijos del Topo / El Topo 2), una película metafísica (de nuevo) de gangsters en un casino a medio desierto. Participarían Asia Argento, Udo Kier, Santiago Segura, Nick Nolte y Marilyn Manson interpretando a un Papa de 300 años, estos 2 últimos además como productores al lado de Lynch… cuyos millones no fueron suficientes para traer a la vida la obra.

Es así como llegamos al funeral de un bombero, una crisis epiléptica, el canto de un príncipe chino, una vieja biblioteca masónica, el circo, un padre lanzando huevos fritos sobre su esposa, mismos que caen sobre una horrible pintura y se convierten en dos apoteóticos soles… algunas de las imágenes que ya nos ha advertido Alejandro habrá de mostrarnos en su film próximo a estrenar en el festival de Cannes 2013, La Danza de la Realidad (basada en la autobiografía homónima), cuyo presupuesto fue completado gracias a las donaciones de fans desde el sitio web oficial del film.

Con un diablo enano, frente a la tienda de sus padres.
Algo de lo que nos ofrecerá en La Danza de la Realidad

Esta película es una especie de cierre de ciclo por haber sido filmada en Tocopilla (según él, le es lo que Macondo a Márquez). ¿Qué le seguirá? ¿Otros 23 años alejado del cine? ¿Quizá un digno final de su carrera? ¿Quizá uno indigno? ¿El inicio de su renacimiento como director? La respuesta no la conoce a ciencia cierta ni el demente Jodorowsky, pero algo es seguro, un ciclo se cierra al volver al inicio y ahora todo terminará en Tocopilla, Chile...

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Paul Naschy, un mito del cine fantástico - El hombre lobo español.

En 1967 sucedían dos cosas importantes en la Europa de habla española. En Cataluña se creaba el festival de cine de SITGES, que internacionalmente es el de mayor importancia en cuanto a cine fantástico, ahí lo mejor del cine de terror, del 28 de septiembre al 4 de octubre del 68 se presentaron cintas como El Baile de los Vampiros de Polanski, Black Sabath de Mario Bava y se le hacía restrospectiva a Tod Browning, Fritz Lang, F.W. Murnau. En ese mismo año un guionista y extra de películas llamado Jacinto Molina se estrenaba como actor en una película escrita por él mismo. El tema estaba inspirado en los hombres lobo. La película marcaría el éxito de su carrera y sería reconocido como el Lon Chaney español.

La vida lo llevaría a conocer al mismísimo Boris Karloff de quien en vida diría que lo vería llorar, convirtiendose jacinto en el hombre que había visto llorar a Frankenstein. Respetado en el mundo del cine fantástico y principalmente de horror, de la misma talla legendaria de hombres como Bela Lugosi, Boris Karloff y Lon Chaney; Jacinto debutaba como un poderoso licántropo. Debido a que su juventud había levantado pesas y esto lo había llevado a representar a España en el campeonato mundial de 1961, su físico era notable. Como la película  necesitaba de un hombre artístico para el actor principal, Jacinto se cambió el nombre a Paul y como apellido Naschy en homenaje a un importante levantador de pesas húngaro. Lo demás sería historia. Paul Naschy había nacido y con el la mítica figura del hombre lobo español.


FILMOGRAFIA
LA MARCA DEL HOMBRE LOBO (1968) de Enrique López Eguiluz
AGONIZANDO EN EL CRIMEN (1968) de Enrique López Eguiluz
LAS NOCHES DEL HOMBRE LOBO (1968) de René Govar
LA FURIA DE JOHNNY KID (1969) de Gianni Puccini
EL VÉRTIGO DEL CRIMEN (1970) de Pascual Cervera
LOS MONSTRUOS DEL TERROR (1970) de Hugo Fregonese y Tulio Demicheli
JACK EL DESTRIPADOR DE LONDRES (1971) de José Luis Madrid
LA NOCHE DE WALPURGIS (1971) de León Klimovsky
EL GRAN AMOR DEL CONDE DRÁCULA (1972) de Javier Aguirre
LA FURIA DEL HOMBRE LOBO (1972) de José María Zabalza
DR. JEKYLL Y EL HOMBRE LOBO (1972) de León Klimovsky
TARZÁN EN LAS MINAS DEL REY SALOMÓN (1973) de José Luis Merino LAS RATAS NO DUERMEN DE NOCHE (1973) de Juan Fortuny
LA VENGANZA DE LA MOMIA (1973) de Carlos Aured
EL RETORNO DE WALPURGIS (1973) de Carlos Aured
LOS OJOS AZULES DE LA MUÑECA ROTA (1973) de Carlos Aured
EL ASESINO ESTÁ ENTRE LOS TRECE (1973) de Javier Aguirre
LA ORGÍA DE LOS MUERTOS (1973) de José Luis Merino
DISCO ROJO (1973) de Rafael Romero Marchent
EL ESPANTO SURGE DE LA TUMBA (1973) de Carlos Aured
LA REBELIÓN DE LAS MUERTAS (1973) de León Klimovsky
LOS CRÍMENES DE PETIOT (1973) de José Luis Madrid
EL JOROBADO DE LA MORGUE (1973) de Javier Aguirre

EL MARISCAL DEL INFIERNO (1974) de León Klimovsky UNA LIBÉLULA PARA CADA MUERTO (1974) de León Klimovsky TODOS LOS GRITOS DEL SILENCIO (1975) de Ramón Barco MUERTE DE UN QUINQUI (1975) de León Klimovsky LA MALDICIÓN DE LA BESTIA (1975) de Miguel Iglesias EXORCISMO (1975) de Juan Bosch LO PASAJEROS (1975) de José Antonio Barrero LA DIOSA SALVAJE (1975) de Miguel Iglesias AMBICIÓN FALLIDA (1975) de Christian-Jaque LA CRUZ DEL DIABLO (1975) de John Gilling INQUISICIÓN (1975) de Jacinto Molina TRES DÍAS DE NOVIEMBRE (1976) de León Klimovsky SECUESTRO (1976) de León Klimovsky MUERTE DE UN PRESIDENTE (1976) de José Luis Madrid ÚLTIMO DESEO (1976) de León Klimovsky EL TRANSEXUAL (1977) de León Klimovsky EL FRANCOTIRADOR (1977) de Carlos Puerto PECADO MORTAL (1977) de Miguel Ángel Díaz EL HUERTO DEL FRANCÉS (1978) de Jacinto Molina EL CAMINANTE (1979) de Jacinto Molina MADRID AL DESNUDO (1979) de Jacinto Molina EL RETORNO DEL HOMBRE LOBO (1980) de Jacinto Molina EL CARNAVAL DE LAS BESTIAS (1980) de Jacinto Molina LOS CÁNTABROS (1980) de Jacinto Molina

MISTERIO EN LA ISLA DE LOS MONSTRUOS (1981) de Juan Piquer Simón LA BATALLA DEL PORRO (1981) de Joan Minguell BUENAS NOCHES SEÑOR MONSTRUO (1982) de Antonio Mercero LA ESPADA DEL SAMURAI (1982) de Jacinto Molina LATIDOS DE PÁNICO (1983) de Jacinto Molina LA BESTIA Y LA ESPADA MÁGICA (1983) de Jacinto Molina OPERACIÓN MANTIS (1984) de Jacinto Molina MI AMIGO EL VAGABUNDO (1984) de Jacinto Molina EL ÚLTIMO KAMIKAZE (1984) de Jacinto Molina MORDIENDO LA VIDA (1986) de Martín Garrido EL AULLIDO DEL DIABLO (1987) de Jacinto Molina AQUÍ HUELE A MUERTO…(¡PUES YO NO HE SIDO!) (1989) de Álvaro Sáenz de Heredia STATE OF MIND (1992) de Reginald Adamson LA NOCHE DEL EJECUTOR (1992) de Jacinto Molina AUTOPISTA AL INFIERNO (1992) de Ate de Jong LICÁNTROPO: EL ASESINO DE LA LUNA LLENA (1996) de Francisco Rodríguez Gordillo

CIENTÍFICAMENTE PERFECTOS (1996) de Francisco Javier Capell
CUANDO EL MUNDO SE ACABE TE SEGUIRÉ AMANDO (1998) de Pilar Sueiro
ÉRASE OTRA VEZ (2000) de Juan Pinzás
LA GRAN VIDA (2000) de Antonio Cuadri
EL VIGILANTE (2001) de Carlos Gil
EL LADO OSCURO (2002) de Luciano Berriatúa
OCTAVIA (2002) de Basilio Martín Patiño
MUCHA SANGRE (2002) de Pepe de las Heras
TOMB OF THE WEREWOLF (2004) de Fred Olen Ray
COUNTESS DRACULA’S ORGY OF BLOOD (2004) de Donald F. Glut
ROJO SANGRE (2004) de Christian Molina
ROTTWEILER (2004) de Brian Yuzna
UM LOBISOMEM NA AMAZONIA (2005) de Iván Cardoso
LA HERENCIA VALDEMAR (2009) de José Luis Alemán
EL APÓSTOL (2010) de Fernando Cortizo

Categories: Biografías, Cine de Culto

Juan José González Mejia - Escritor y Crítico de Cine

El maestro Juan José es un crítico de cine con mucho de investigador, notable escritor de cinematografía, con una trayectoria de más de quince años, ha colaborado en diversas columnas de periódicos y revistas en México, lo que le ha permitido tener contacto estrecho con el mundo de las comunicaciones y el de la literatura. Es en materia de cine, el lugar donde se distingue el pensamiento de Juan José Gonzáles Mejía.

Ha impartido desde cursos de apreciación cinematográfica hasta diplomados integrales de cine, conferencista en cine y consultor de trabajos, tanto en guión y desarrollo, de jóvenes corto metristas en los estados de Tamaulipas y Veracruz, es fundador y coordinador de cine clubes en el norte del país, tallerista y alumno de reconocidos premios nacionales de literatura y poesía. JJGM sostiene que “…la anemia del joven interesado en el cine, es que no tiene lecturas, de ahí se desprende el hecho real de que los nuevos cinéfilos padezcan de miopía frente al pasado de la cinematografía misma…” – Tal reflexión se actualiza si se reconoce que por desconocimiento o dolo, el estudiante de cine (cualquiera), se acerca a este por simple moda o distracción, sin embargo, al revelarse el poder y las bondades que traen consigo el descubrimiento de un nuevo lenguaje, el aprendiz, abre los ojos haciendo conciencia de que el cine también es memoria.

De la opinión acerca de aquellos realizadores, que dicen separar la razón de los sentimientos, al crear su obra, JJGM responde que “…es mentira que haya una separación entre mente y corazón, en cine, sostener la idea es contradictorio, imagina a Peter Greenaway, dueño de una conciencia cinematográfica intelectual y complicada, intentando separarse de las emociones al momento de editar Los libros de Próspero, o supongamos a Stanley Kubrick negando su naturaleza transgresora, por hacer una pausa de conciencia, al dirigir Odisea al espacio, planteando con toda intención, la elipsis mas larga del cine, al aventar en la prehistoria un hueso y recibirlo en el año 2001 de la era cristiana…..Balzac decía que en la pasión no hay deshonestidad, yo agregaría que en el cine la deshonestidad no es bienvenida.”

El conocimiento que el Maestro JJGM comparte, va dirigido al cinéfilo en general, sin embargo, su interés se centra en que sean los jóvenes quienes se acerquen con presteza al universo, ya que son ellos los que se atreven a enfrentar al mundo sin caparazón ni complejo alguno, condición necesaria para educarse en CINE. JJGM, radica en Xalapa, Veracruz, desde 2004, su consigna es ver todas las películas y detrás de su escritorio continúa promoviendo los valores de la cinematografía.

Categories: Biografías, Cine en Xalapa

Carlos Reygadas "Un Cineasta Rebelde"

Si hablamos de directores o cineastas mexicanos que han triunfado en el mundo del séptimo arte, se pueden venir a la mente personajes como Del Toro, Iñarritu o Cuaron, sin embargo también hay un palco para el cineasta probablemente más polémico y mas aclamado, el de mas vanguardia y más despreocupado, un osado rebelde que se atreve a llevar a nuevas escalas y que por eso, en tan solo 3 películas en su haber, y con 39 años, se coloco entre los grandes en cannes y 3 veces, recibiendo el premio de la cámara de oro por su Ópera Prima "Japón" y el premio del jurado por "Luz Silenciosa", aqui les dejamos una reseña hecha por el universal y los invitamos a que no se pierdan la proyección especial en la que su servidor representando al Séptimo Arte, estara por los rumbos de la mordida de gato, el 13, 14 y 15 de abril presentando las obras de este virtuoso cineasta, aderezado de la crítica de Juan José González Mejia, pronto la reseña.

MéXICO, D.F.- Lo tradicional no va con él. Carlos Reygadas utiliza no-actores para sus películas; si lo invitan al Festival de Morelia, prefiere irse desde la capital en su propia motocicleta.

Y si alguien le pregunta qué piensa del Oscar, rápidamente dice que lo tiene sin cuidado, que prefiere los aplausos en certámenes de cine. Por eso no promocionó Luz Silenciosa cuando iba a ser elegida como candidata a aspirar a una estatuilla.

Siempre ha sido así. Imprevisible, si es que se le puede poner un calificativo rápido.

En la primaria podía pasar de ser el bromista del salón a ser el de mejores calificaciones, o cuando salía de excursión se extasiaba con la naturaleza, tal y como ahora lo hace profesionalmente, si uno revisa su filmografía.

Cuando estudiaba en la Escuela Libre de Derecho recibió un día la advertencia de un profesor, recriminándole por qué se presentaba en ropa deportiva y no de traje, como debía mostrarse un real abogado. De otra forma, podía haber un castigo traducido en las calificaciones del periodo escolar.

Pero a Carlos se le olvidó y llegó como si nada. Entonces de un momento a otro recurrió a su poder de convencimiento. Logró que alguien le prestara un saco, una corbata y se sentó hasta el rincón del salón de clases para que el profesor autoritario no se diera cuenta de su pantalón de gimnasia.

A fines de los 90 emprendió un viaje por Europa. Y otra vez, pese a que la lógica diría lo contrario, hizo lo impensable. Delgado de complexión, se aventó a jugar rugby y dicen que lo hacía bien. Luego de conocer a unos alumnos del Insas (Institut National Supérieur des Arts du Spectacle et Techniques de Diffusion), escuela en Bélgica enfocada a las artes, los espectáculos y la comunicación, decidió inscribirse. Ahí realizó su primer cortometraje y se enamoró perdidamente del cine.

A sus amigos les confió en alguna ocasión que le interesaba ser director de orquesta, pero sabía que no tenía las aptitudes y entonces enfocó su batería a dar las órdenes detrás de la cámara.

Un día de 1999 comenzó a escribir el guión de lo que sería su ópera prima, Japón, la cual haría hasta dos años después.Para ello llamó a gente que jamás había actuado: Alejandro Ferreti, quien murió meses después y Magdalena Flores, una señora de la tercera edad. Ambos sostenían un pequeño encuentro amoroso que terminó conquistando al Festival de Cannes, dentro de la Semana Internacional de la Crítica, donde la cinta consiguió una Mención Especial.

"Simplemente me limité a fotografiar lo que allí existe, la dureza y la pureza del paisaje", explicó entonces el realizador.

Para su segundo filme, Batalla en el Cielo, demostró que era testarudo a más no poder. No solamente filmó contundentes escenas de sexo oral, sino que también obligó a la producción a subir un cerro sin explicación conveniente. Nadie le pudo quitar la idea de filmar una secuencia en el Ajusco. Subieron el equipo de trabajo en burros y a uno se le cayó la carga. Entonces debieron regresar por ello unos 500 metros abajo.

Cuando vieron la escena montada, entendieron lo que intentaba. Una vista grandiosa de la vida misma, por parte del protagonista, minutos antes de entregarse a la Policía tras un hecho violento.

Pero eso sí, a Carlos nadie le puede negar que gusta de trabajar en equipo. Se deja persuadir y aconsejar por los profesionales de las áreas donde no sabe mucho. Así fue con Batalla en el Cielo, donde Martín Hernández (Amores Perros y Babel) le ayudó a darle el sonido adecuado en la escena donde los protagonistas están sobre una cama.

La filmación original tenía un audio terrible. Cuando Martín le preguntaba si deseaba su propuesta, Reygadas se apresuraba a contestar: "Así es maestro, eso era lo que yo quería hacer".

Es historia su premio del jurado por esa historia en Cannes 2007.

Le dio la oportunidad a un joven Amat Escalante para rodar Sangre. Y durante un llamado, podría decirse que le salvó la película. Resulta que logró contener un incendio del automóvil donde filmaban, únicamente con sus manos. Con la ropa medio chamuscada arrancó rápidamente el asiento en llamas y lo golpeó contra la tierra para extinguirlo. Los demás miembros de la producción sólo veían a lo lejos.

Así es Reygadas. El mismo que en el Festival de Morelia fuera reconocido por su colega Steven Soderbergh por no usar actores profesionales en sus filmes.                                                                    * El Universal

El momento cinematográfico más importante de la carrera de Carlos Reygadas se dio en el año 2007 cuando presento Luz Silenciosa, cinta de mérito y reconocido valor que trata la historia de amor y desamor en una comunidad de menonitas al norte de México, con una duración de dos horas y 22 minutos, no tiene música, se habla en un dialecto y es apreciablemente lenta, recibió nada más que el premio del jurado y una ovación de siete minutos por parte del público en la proyección oficial de competencia por la Palma de Oro del Festival de cine de Cannes, una gran parte del público se puso incluso de pie para aplaudir a Reygadas y a parte del elenco del film que asistió a la proyección, Reygadas, agradeció al público su cálida acogida y recibió las felicitaciones de Alfonso Cuarón y Alejandro González-Iñárritu, quienes asistieron al acto, también asistió la directora del Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE) , Marina Stavenhagen, y la directora del festival de Guanajuato, Sara Hoch.

Win Wenders apadrinó el estreno de Luz Silenciosa en el Festival "Alrededor del Mundo" en Berlín, como dato curioso hizo reir al público al decirles: “Necesitarán paciencia y se van a acordar de mis palabras, sobre todo en los primeros siete minutos de la cinta, algunos de ustedes seguirán platicando y no se darán cuenta de que la película ya ha comenzado”, dijo el realizador alemán aludiendo a la espectacular toma en tiempo real de un amanecer en la localidad de Cuauhtémoc, Chihuahua, donde fue rodado el filme, “No sé que hizo antes de hacer películas, pero desde que se dedica a esto es un rebelde y un enfant terrible del medio cinematográfico"

Carlos Reygadas en Cannes '07

Reygadas ya prepara su participación en Revolución (2010) una cinta rodeada de cortometrajes y que plantea realizarse conmemorando los aniversarios de nuestra patria.

El Séptimo Arte te invita al cafe "Mordida de Gato", Ruiz Cortines # 223, entre "Los sauces y el Super Che" a que presencies las 3 películas de Carlos Reygadas:

Japón (2002) Martes 13 de abril 19:00 hrs.

Batalla en el cielo (2005) Miercoles 14 de abril 19:00 hrs.

Luz Silenciosa (2007) Jueves 15 de abril 19:00 hrs.

Se contará con la presencia y el comentario del crítico de cine Juan José Gonzalez Mejia.

No Faltes. ENTRADA LIBRE - CUPO LIMITADO

Categories: Biografías

Rodolfo de Anda "El campeon sin corona"

Amigo de la pantalla grande, productor y actor, don Rodolfo de Anda murió la tarde de este lunes en la ciudad de México.

Rodolfo de Anda creció en el cine, con tan sólo dos años participó en su primer película Campeón sin corona, misma cinta lo catapultaría a ocupar el papel de actor infantil en películas como: Ángeles del arrabal (Dir. Raúl de Anda, 1949), Con todo el corazón (Dir. Rafael E. Portas, 1951) y Échenme al gato (Dir. Alejandro Galindo, 1957).

Hijo del también cineasta, Raúl de Anda Gutiérrez, El charro negro; en 1960 obtuvo su primer papel estelar en la película El hijo del charro negro, de Arturo Martínez, cinta a partir de la cual desarrolló una de las trayectorias más prolíficas; incluyendo sus participaciones en países como Estados Unidos, Colombia, Venezuela, Italia y España.

Nació el 6 de julio de 1943 en la ciudad de México, Randa X seudónimo que utilizaba, trabajó en un centenar de títulos entre los que destacan El caudillo de1967, Al rojo vivo (1968), Hermanos del viento (1974), Carroña (1975), Narcotráfico (1985), Kino / La leyenda del padre negro, y el cortometraje Félix, como el gato, de Gilberto Gazcón Fazi (1995).

Su más reciente trabajo como realizador fue Alta tensión, con las actuaciones de Juan Manuel Bernal, Ernesto Gómez Cruz, Evangelina Elizondo, Leticia Huijara y Juan Carlos Colombo, por citar algunos.

Desempeñó labores como productor y argumentista en películas en las que también participó como actor: El hombre de negro, de 1967, y ¿Quién mató a el abuelo?, de Carlos Enrique Taboada, en 1971.

Preocupado en todos los aspectos de la industria, Enrique Rodolfo Anda Serrano, nombre real del prestigiado artista, debutó en la realización en 1971 con el Indio, cinta para la cual también fundó su propia compañía, Producciones Rodas, con la que logró más de 50 filmes: El macho biónico (1981) y La tumba del Atlántico (1990), entre otras.

En la dirección se distinguió por cintas como Cuchillo (1977), 1000 millas al sur (1980), La zona del silencio (1990) y Domingo trágico (1991).

One Step nació en 1996, compañía productora independiente con la que realizó Alta tensión.

Su ultima aparición en la televisión fue en un capítulo de El Pantera, a lado de Mario Almada, producción de Alexis Ayala y su hijo Rodolfo de Anda Gutiérrez.

Una trombosis lo puso en cama; el jueves pasado fue intervenido en un hospital al sur de la capital.

Tras la operación recibió la vista de grandes amigos como Raúl Araiza hijo, Carmen Armendáriz y Raúl Araiza padre, con quien tenía dos proyectos cinematográficos.

A don Rodolfo de Anda le sobrevive su hijo Rodolfo de Anda Gutiérrez, además de sus hermanos Gilberto de Anda, actor y director, y Tony de Anda, cinefotógrafo.

* El Universal

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Susana Zabaleta en Xalapa

La sensual, bohemia, romántica y controversial Susana Zabaleta, soprano y actriz, se presenta hoy 16 de dic. en nuestra ciudad capital, en el Teatro del Edo. en punto de las 8pm acompañada de la Orquesta Sinfónica y Juvenil del Estado de Veracruz para clausurar la VIII Temporada de Conciertos de la musical agrupación veracruzana que dirige el maestro Antonio Tornero.

Susana es una mujer con mucha personalidad, sincera a mas no poder, encantadora para unos y polémica para otros, con una gran trayectoria en teatro desde la década de los 80's y unas grandes actuaciones en films de nuestro pais, como Sobrenatural, Sexo, Pudor y Lágrimas, Crónica de un Desayuno y Vivir Mata, estudió ópera en Florencia, Italia, finalizando su carrera como concertista en México en la Escuela Superior de Música, posteriormente, Susana continúa con su preparación artística tomando clases de canto con Irma González, Enrique Patrón y Martha Félix, además de contar con Benjamín Cann como maestro de actuación.

Durante 1986 y 1987, SUSANA ZABALETA incursiona dentro del Teatro, en puestas en escena como "El Violinista en el Tejado" y "Barnum". En 1988 "Don Quijote de la Mancha", "Mi vida es mi vida" y "Magnolias de Acero" de Manolo Sánchez Navarro, perfilándose como una de las máximas figuras dentro de la actuación en México. Por su calidad en ambas facetas, SUSANA ZABALETA recibe el reconocimiento como "La Revelación del Heraldo de México", "El Sol de México" y otros reconocimientos por parte de la Asociación de Críticos en Teatro y Medios de Comunicación. En 1989, es invitada a participar en la obra "Qué Plantón", "Sorpresas" y, en 1991; "Cats", el exitoso musical que en México logró importantes reconocimientos por la calidad de los actores y la puesta en escena. En 1996, protagoniza "Funesta" y en 1997 "La Gran Magia".
En 1995, SUSANA ZABALETA graba su primer disco bajo la dirección de Luis Carlos Esteban, en Madrid, España.Con ¿"O...fue un sueño?, título de este disco, SUSANA ZABALETA se perfila y proyecta como una de las más importantes exponentes femeninas contemporáneas de la música pop, destacando temas como: "Deja", "Algo Grande" y "Ella y él", con letras actuales y frescas; además de ritmos y sonidos vanguardistas.El reconocimiento y prestigio de la artista, la llevan a recibir la invitación de la Distribuidora y Productora de mayor prestigio internacional dentro de la cinematografía clásica infantil: La Casa Disney, quien extiende la invitación para que SUSANA ZABALETA dé vida a la interpretación de ¿Qué será quiero saber? y Colores en el viento”, temas centrales de la película POCAHONTAS, cinta que se estrena en México en una espectacular premier en el Auditorio Nacional, donde la artista interpreta los temas ante 10,000 espectadores.

Ese mismo año, su profesionalismo y calidad le llevan a recibir invitaciones para incursionar en la televisión, interviniendo en series televisivas, programas unitarios y telenovelas como: "Al Filo de la Muerte", "La Sombra del otro" y "Pueblo chico infierno grande" En 1996, SUSANA ZABALETA desempeña su primer papel protagónico en la película SOBRENATURAL, la cual obtiene importantes reconocimientos como: La Diosa de Plata y reconocimientos en los festivales de cine de Puerto Rico y Huelva. Ese mismo año, Susana Zabaleta protagoniza las cintas "Cossi Fan Tutte" Ópera en cine y "Elisa antes del fin del mundo".

Por su personaje de ANA, en “Sexo, Pudor y Lágrimas” SUSANA ZABALETA recibe diversos reconocimientos de la crítica y el respeto del público a su trabajo histriónico, reafirmando su calidad y popularidad, haciéndose acreedora de nueva cuenta a Premios como Mejor Actriz de Cine y el “Heraldo” como Mejor Actriz., así como el máximo galardón a que aspira una actriz de cine: EL ARIEL como Mejor Actriz del año.

En este año, Susana ha lanzado su nuevo album "AMARRADOS" el nuevo disco, que incluye 13 temas en su mayoría inspirados por Susana Zabaleta, donde el compositor yucateco Armando Manzanero los escribio a la medida vocal y emocional de la cantante, AMARRADOS ocupa en este momento el top 10 de ventas y popularidad de las más importantes tiendas de discos del país.

Esperamos que la belleza coahuilense pronto la veamos en una nueva producción cinematográfica, es tiempo ya.

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Ricardo Benet "NOMADA" El cineasta veracruzano que ha recorrido el mundo

El buen Ricardo Benet, notable veracruzano galardonado por su trayectoria en el Séptimo Arte, anunció hace unos días el regreso a la pantalla grande con su nueva producción: "Nomadas", película que se ha estado cosechando desde hace mas de dos años y que ahora, contará con la participación internacional de Lucy Liu, el rodaje esta terminado y estará lista para el próximo 2010.

Hace un tiempo su servidor Rafael López, tuvo la oportunidad de platicar personalmente con Ricardo Benet, esto mientras se realizaba la producción de Dia Festivo 2008, puedo decirles, estimados lectores que Ricardo Benet es una persona sencilla pero con un gran don para elegir las piezas adecuadas para transmitir la esencia de los fotogramas y de la historia a la magia del cine.

Benet se considera un realizador de historias sencillas, austeras, pero bañadas de creatividad artística, sin valoraciones morales ni políticas, que proyectan duda y preocupación íntima, desde un lenguaje y una estética que “re explora los lugares comunes” que suelen quedarse en la superficialidad de las cosas humanas; es decir, la tristeza, la soledad, el abandono, el desamor, la pobreza, el viaje… “sin melodrama ni intelectualización”, dice, sino despojado, sincero.

Benet comenta: "Estuve meses recorriendo el mundo, un dia estaba en Mexico y de repente recorriendo lugares que jamás imagine " todo empezo en el Festival de Guadalajara y de ahi Noticias Lejanas se fue a recorrer el mundo. Londres, Paris, Egipto, Berlin, Cuba, Argentina, Tokio... "Facilmente pase 365 días en alfombras rojas" cuenta con agrado Ricardo.

Ricardo Benet estudió arquitectura en la UNAM, y se graduó en Historia del Arte en Florencia, Italia, asi que se puede decir que Benet tiene el temple del arquitecto para construir sus proyectos, además se formó en Fotografía en el Centro Pompidou de París, y en Cinematografía en el Centro de Capacitación Cinematográfica (CCC). Originario de la ciudad de Cardel, vivio parte de su niñez en Sonora y su juventud en el Distrito Federal, "A los 30 años empeze a cumplir con esa pasión: el cine; desde niño fui cinéfilo, y en la adolescencia me topé con los grandes como Antonioni, Bergman, Fellini, Buñuel, Saura, Allen, Wenders.”

Ricardo Benet recorrio alrededor de 20 países durante dos años gracias a "Noticias Lejanas" 2005, asu regreso a México decide acobijarse en nuestra ciudad capital de Xalapa, donde planea su proxima producción y traspasa su conocimientos en el diplomado en corto 2007, de ahi surge el cortometraje talento "Dia Festivo" dirigido por Eber García, cortometraje que supo colocarse tanto nacional como internacionalmente. Benet continua su trayectoria y la lleva al totonacapan donde prosigue sus enseñanzas y se logra el cortometraje "Voladora" dirigido por Chloe Campero.

Ricardo viaja nuevamente a distintas muestras y festivales de cine como jurado mientras se prepara "Nomadas" hasta que llega la fecha:

Octubre 2009

"Nomadas"aborda la historia de "Roberto", un emigrante ilegal mexicano que limpia los cristales de los rascacielos de Nueva York, así como de "Susan", una cineasta neoyorquina que edita un documental sobre los suicidios del metro en la Ciudad de México.

El sufre de claustrofobia, mientras que ella de acrofobia, por lo que deciden realizar su amistad al ras del piso.

La trama se desarrolla entre Nueva York y el Distrito Federa. John Cothran Jr. y Tamlyn Tomita forman parte también del elenco. El rodaje ya esta a punto de terminar, tendrá un costo de 1.2 millones de pesos y se prepara para su estreno en el año de nuestro señor 2010.

EN CONFERENCIA DE PRENSA 30-oct-09

La actriz de filmes como "Los ángeles de Charlie" y "Kill Bill" Lucy Liu será la protagonista de esta nueva producción, en conferencia dijo que nunca ha tenido la oportunidad de recorrer las calles de México a pesar de sus múltiples visitas. "Ahora que he vuelto es agradable estar aquí; la he pasado a gusto trabajando a lado de gente profesional".

" `Nómadas` es una película muy distinta en mi carrera. La historia es un poema y aseguro que cuando llegue a la cartelera van a hablar de mi pero de manera distinta, por eso agradezco al director Ricardo Bennet por darme la oportunidad", añadió.


Comentó que es grato trabajar junto al actor Tenoch Huerta ("Sin nombre",2009) y se atrevió a decir que en México existe una estrella emergente en el ámbito cinematográfico.

Agregó que la historia llegó gracias a su representante, quien tiene un buen ojo para seleccionar guiones, que por lo general otros dejan pasar. "En cuanto lo leí quise reunirme con Ricardo y encontrar las razones que me convencieran".

Agradeció estar en "Nómadas", pues el filme habla de migración. "Soy una primera generación china en mi familia ahora en Estados Unidos, así que considero que la película es como un poema o una buena canción".

Al inicio del rodaje en Nueva York observó semejanzas en los rostros de las personas, pero todos deben hablar la lengua oficial; inglés, aunque hay tantos idiomas como razas y culturas que uno no puede imaginarse eso, refirió.

Respecto al personaje de documentalista que quiere encontrar la solución al suicidio, refirió que el fenómeno es tan universal y seguramente las razones de quienes toman esa decisión serán la mismas.

Lucy Liu señaló que hay quienes encuentran consuelo a su depresión y libran el suicidio refugiándose en la religión o el amor; eso es importante. La actriz reconoció que notó la diferencia de producción de "Nómadas" y las películas de los grandes estudios en las que ha participado. Sin embargo, supo adaptarse pues al inicio de su carrera también intervino en películas de bajo presupuesto; conforme pasó el tiempo se abrieron mejores oportunidades. Lucy Lui señaló que en "Nómadas" encontró una gran familia, y a pesar de ser un "staff" pequeño le dio la oportunidad de hacer grandes amigos que serán para toda la vida.

"Esta es una película distinta y creo que de ahora en adelante tendré la oportunidad de mostrar una faceta distinta", reiteró.

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Stephen King "El Rey del Terror"

Stephen Edwin King nació en Portland, Maine un 21 de septiembre de 1947, crecio en un ambiente difícil de problemas financieros. Cuando Stephen era niño presencio un espantoso accidente, uno de sus amigos accidentalmente fue arrollado por un tren, King asesgura que este hecho no tiene influencia en sus dotes de escritor. Empezo a escribir desde muy temprana edad, se basaba en películas vistas y en historietas.
Stephen King vendía sus cuentos a sus compañeros en su escuela, utilizaba la misma máquina de escribir con la que su hermano escribia para el periódico, pero sus profesores lo obligaron a dolver el dinero.

Cuando King tenia 13 años llego a la casa de una tia, el muchacho encontro una viea caja con unos libros, la sorpresa de su vida, eran de su padre y los temas de esos libros eran ficción y terror. Stephen King estaba emocionado por continuar su labor como escritor, asi pues mando sus historias a diversas publicaciones para ver si tenia éxito, fue a sus 18 años que la "Comics Review" en 1965, le publico su historia, "El Ladron de Tumbas Adolescente" pero le cambiaron el titulo por "En la mitad del mundo del terror". A los 19 años King entro a la Universidad de Maine para estudiar la carrera de Inglés.
A los 24 años casi a punto de terminar la carrera Stephen entro en la bilioteca y conocio a una chica llamada Tabitha, con quien se casaria. para poder seguir con sus estudios Stephen tomaba trabajos de medio tiempo.
Stephen King obtuvo la licenciatura en arte en Inglés y logro un certificado como maestro de secundaria. King escribia para satisfacer sus necesidades, lo hacia en una revista para hombres, vivia en un remolque y además sufría de la enfermedad del acoholismo.
La primera obra de Stephen King fue Carrie, King empezo a escribirla pero no le gusto y la tiro a la basura, su esposa la rescato y lo animo a terminarla, era la historia de una chica con poderes telekineticos y que cobraba venganza de sus compañeros de la escuela, King se habia inspirado en su suceso real cuando trabajando como intendente vio como una chica fue victima de burlas al llegarle el periodo menstrual en la escuela. Cuando termino la novela la mando a la compañía editora Doubleday, y al pasar el tiempo se olvido de ella, mas tarde recibio una oferta de compra por 2,500 dolares de adelanto, tiempo después se venderian los derechos de la novela por 400,000 dolares.

Durante la decada de los 70's King se sumergio en los vicios, alcohol y drogas que lo llevaron a una extrema depresión, pero su familia lo alento a continuar, fue hasta los 80's que los dejo. En este periodo escribió: 1974 Carrie, 1975 El misterio de Salem's Lot (Salem's Lot), 1977 El resplandor (The Shining), 1978 La danza de la muerte (The Stand), 1979 La zona muerta (The Dead Zone), 1980 Ojos de fuego (Firestarter).

Su fama incremento cuando en 1976 Brian de Palma adapto la novela de Carrie, siendo un total exito. La siguiente obra de exito llevada a la pantalla grande seria El Resplandor, de la mano de Stanley Kubrick, que se convirtio nuevamente en un exito de taquilla.

Stephen King sigue escribiendo actualmente, su vida esta rodeado de numerosos misterios relacionados con sus obras, com el accidente que sufrio en 1999 que se le vincula con multiples novelas donde el personaje sufre un accidente automovilistico.

Su apodo del rey del terror viene de su apellido King, que en inglés significa "Rey" y terror por el gusto de sus novelas. Con más de 100 escritos de Stephen, te invitamos a que nos cuentes que libros has leido y cuales consideras son los mejores y por supuesto, a que disfrutes del ciclo, "Noches de Stephen King"

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Mauricio Garcés

Amante de los juegos de azar. Hombre que supo aprovechar la oportunidad de convertirse en todo un playboy del séptimo arte. Personaje que solía decirle a las mujeres: "Te voy a hacer pedazos", Mauricio Garcés se convirtió en un icono de las féminas, aunque para él solamente existió una: su madre.

En entrevista con La Jornada, su hermano el fotógrafo Edmundo Féres Yázbek y, su primo, el actor Víctor Grayeb, consideran que el encanto de Mauricio Garcés, a quien también llamaban el zorro plateado, “radicaba en lo desvergonzado que era, no había diferencia entre la persona y el personaje, siempre era el mismo. Es el único ídolo mexicano que ha trascendido sin haber sido cantante; está a la altura de Pedro Infante, Jorge Negrete o Tin Tan. Sus películas se siguen trasmitiendo en la televisión con rating impresionante y los jóvenes lo han revalorado”.

Mauricio Féres Yázbek nació el 16 de diciembre de 1926 en Tampico, Tamaulipas, fue el galán seductor, maduro y sofisticado de alta sociedad; de estilo inigualable y que hizo popular las frases «Las traigo muertas...», «¡Arrrroz!» y «Debe ser horrible tenerme y después perderme...».

Inicialmente su carrera estaba enfocada al género dramático y de suspenso, interpretando versiones serias de galanes en películas como La estrella vacía o series de televisión tales como Gutierritos y tuvo su propia serie de televisión Cita Ponds. Asimismo, hizo teatro en obras como Vidas privadas, No me manden flores y Vidita negra (que posteriormente filmaría en película), La Luna azul y otras más.
La versión cómica del personaje de galán otoñal, elegante y mundano que lo hiciese tan famoso fue desarrollándose a lo largo de estas etapas de su carrera al ir interpretando en varias ocasiones papeles similares en películas cuya temática se iba haciendo cada vez más ligera y cómica. Este personaje finalmente queda plenamente desarrollado en Don Juan 67. Para este film la productora Angélica Ortiz (madre de la actriz Angélica María), contrató a Mauricio para interpretar el papel estelar en 1966. Don Juan 67 fue la primera de una serie de comedias fílmicas en las que interpretó a su alter-ego Mauricio Galán al lado de las más bellas actrices de la época como Maura Monti , Silvia Pinal , Zulma Faiad , Elsa Aguirre , Rossy Mendoza , Nora Larraga "Karla" , Amedeé Chabott , Irlanda Mora , Barbara Angely , Marcela López Rey , Isela Vega entre otras. El matrimonio es como el demonio (1967), Click, fotógrafo de modelos (1968), El criado malcriado (1968), Departamento de soltero (1969), Fray Don Juan (1969) y Modisto de señoras (1969) son algunos de los títulos más populares de la extensa filmografía del "zorro plateado". A principios de los 70s incursiona en la televisión en el programa La Hora De Mauricio Garces (1970) acompanado de los excelentes actores Enrique Rambal , Rafael Banquells , Emílio Brillas y Mónica Serna ,quien estelarizo a su lado en teatro la obra No Me manden Flores, un gran éxito de la época y al año siguiente en canal 8,estelariza el programa Los Solteros al lado de Jóse Galvez. En 1972,decide dejar el cine por no encontrar libretos para todos los publicos,siendo esto algo que el manejaba a la perfección,la picardía pero a la vez filmes que todos podían ver,no como el don juan,pero si en un papel cómico estelarizó en 1978 la película No Tiene La Culpa El Indio al lado de Chucho Salinas y Yolanda Liévana ese año también estelariza en teatro la obra Hola Charly al lado de Claudia Islas y en 1980 retorna al personaje del don juan con la cinta El Satiro al lado de Alberto Rojas el caballo y Patricia Rivera. En 1980 también empieza una mancuerna exitosa a lado de Manuel (El Loco) Valdés en el programa El Show del Loco Valdés y al año siguiente relevan a Verónica Castro en la conducción del programa Noche A Noche Todavía en sus últimos años hizo esporádicas apariciones en programas televisivos y anuncios comerciales. En la última década de su vida, su salud se ve afectada por su adicción al tabaco muriendo de enfisema pulmonar en 1989.

Aproximarse a sus cintas es también acercarse a un glamour que ya no existe, una época de un encanto irreversible (incluso en su ingenuidad en el tópico de lo sexual). Si los que son fanáticos de la cintas de Woody Allen lo saben todo acerca del amor, las películas del llamado zorro plateado son irrebatibles cátedras del más divertido cinismo y desvergonzado machismo con el ingenio verbal de Garcés ("mira lo que te encontraste sin escarbar, ¡suertudota!" o la conocidísima "¡arroooz!"), además de, por su puesto, lecciones inmortalizadas sobre cómo dejar semidesnuda a una mujer en menos de diez segundos -sin ninguna clase de titubeos- a les mamacits más libres de artificios físicos que jamás existieron.

Por lo pronto quedan sus películas. Y si hubiera oportunidad de preguntar a Mauricio Garcés si se encuentra sorprendido por la devoción que existe hacia su personaje, lo más seguro es que no le provocaría ninguna sorpresa. Sabio, como todo buen zorro, Garcés ya lo había dicho muy bien hace años: "debe ser terrible tenerme y después perderme".
Para saber más sobre Mauricio Garcés visite: http://donmauriciogarces.com

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Santo "El Enmascarado de Plata"

Para muchos un ídolo del cuadrilatero, para otros una superestrella, para unos mas todo un personaje de la cultura mexicana, pero la verdad es que "El Santo", alusion al adjetivo de gracia y cualidades divinas, le quedo como anillo al dedo a este personaje que siempre fue un divino misterio, los que lo conocían sabian que no era alcoholico, era muy respetuoso con las mujeres, caballero y además gladiador a favor del bien, todos recordaremos al ídolo de la generacion de los nacidos entre 1950 y 1960, SANTO!.

Rodolfo Guzman "El Santo" nació en Tulancingo, Hidalgo, El 23 de Septiembre de 1917, fue el quinto de siete hijos. Rodolfo llegó a la Ciudad de México en los años 1920, cuando su familia se asentó en el barrio de Tepito. En un inicio practicó Béisbol y fútbol americano, pero después se interesó por la lucha. Aprendió Jūjitsu y luego lucha grecorromana; no se ha establecido cuándo comenzó exactamente su carrera de lucha como competidor, ya sea que fuese en la Arena Peralvillo Cozumel el 28 de abril de 1934 (usando su verdadero nombre), o en el Deportivo Islas, en la colonia Guerrero de la ciudad de México en 1935. Pero durante la segunda mitad de la década de 1930 se estableció como un luchador, usando los nombres de: Rudy Guzmán, El Hombre Rojo, El enmascarado,el incògnito, El Demonio Negro, El Murciélago II. Este último nombre fue una copia de otro famoso luchador de esa época, y después de un reclamo por el nombre por parte del Murciélago original, Jesús Velásquez, la Comisión Mexicana de Boxeo y de Lucha declaró que Guzmán no podría utilizar ese nombre. Cabe señalar que Bobby Arreola, había desenmascarado a Rodolfo Guzmán cuando empleaba el nombre del Mirciélago II.

En los inicios de 1940, Guzmán se casó con María de los Ángeles Rodríguez Montaño (Maruca), una unión que produciría diez hijos: Alejandro, María de los Ángeles, Héctor Rodolfo, Blanca Lilia, Víctor Manuel, Miguel Ángel, Silvia Yolanda, María de Lourdes, Mercedes y Jorge Guzmán Rodríguez, El Hijo del Santo.

En 1942 su entrenador, don Jesús Lomelí, estaba armando un nuevo equipo de luchadores, todos con vestimentas plateadas, y quería que Rodolfo fuera parte de este equipo. Él le sugirió tres nombres: El Santo, El Diablo, o El Ángel, y Rodolfo eligió el primero. El 26 de abril luchó en la Arena México por primera vez como Santo. Cabe mencionar que en un inicio combatía en el bando de los Rudos (lo cual no le favorecía para obtener el apoyo del público, ya que en la época la gente apoyaba en mayor medida a los técnicos); posteriormente se cambió al bando técnico. Bajo su nuevo nombre rápidamente desarrolló su propio estilo, y su agilidad y versatilidad lo hicieron muy popular, también cabe mencionar que como parte de su entrenamiento a mediados de la década de 1950 comenzó a entrenar en la arena coliseo de Guadalajara Jalisco, en el plantel de Cuauhtémoc El Diablo Velasco fundador de la primera escuela de lucha libre profesional con quien pulió su estilo y forma de luchar.

Apartir de 1952, el artista y editor José Guadalupe Cruz comenzó a publicar la historieta Santo, el Enmascarado de plata, convirtiéndolo en el primer personaje luchador de la historieta mexicana, cosa que también hicieron Black Shadow, Huracán Ramírez, El Solitario y Tinieblas, usando la misma técnica creada por José G. Cruz (color sepia y fotomontaje en fondos dibujados). La historieta se publicó hasta los años ochenta. En los primeros años era el propio luchador quien posaba para las fotos de la historieta, pero luego de unos años (y algunos problemas legales) fue sustituído por un actor musculoso y el personaje se tuvo que diferenciar del original sin emplear mallas y sumando una "S" sobre un círculo negro en la frente de la máscara.

En los finales de los años 50, Fernando Osés, luchador y actor, invitó a Guzmán a trabajar en películas, propuesta que aceptó, aunque sin abandonar su carrera en la lucha libre, compaginando ambas actividades. Fernando Osés y Enrique Zambrano escribieron libretos para las dos primeras películas de Santo, Santo contra el Cerebro del Mal y Santo contra los Hombres Infernales, ambas estrenadas en 1958, y dirigidas por Joselito Rodríguez. La filmación se llevó a cabo en Cuba, y el rodaje terminó un día antes que Fidel Castro entrara en La Habana y declarase la victoria de la revolución cubana.

Aun cuando ambas películas tenían un bajo presupuesto y fueron altamente improvisadas, tuvieron gran aceptación por parte del pueblo mexicano y se convirtieron rápidamente en éxitos de taquilla, abriendo camino para más películas de Santo.

El estilo de las películas que protagonizó Santo fue esencialmente el mismo durante las 52 películas que protagonizó, con argumentos donde actuaba como superhéroe luchando contra criaturas sobrenaturales, científicos locos, o el crimen organizado. Con un tono similar a las películas y series de televisión clase B de los EE.UU. (B-movies fueron las películas que se caracterizaron por un muy bajo presupuesto y argumentos fantásticos, en la década de los 60), quizás muy similar a la serie de Batman de 1960.

En México, para las generaciones recientes, su película más famosa es El Santo contra las Momias de Guanajuato, al menos así conocida popularmente, ya que su nombre verdadero es Las Momias de Guanajuato y es una película protagonizada por Mil Máscaras y Blue Demon en la que Santo únicamente hace una presentación estelar al final. Para el público más conocedor de la figura cinematográfica tanto en México como en el extranjero, la película más conocida es Santo vs. las Mujeres Vampiro (1962). En esta película la inversión en la producción fue más alta, y dio una pauta para introducir un origen y la creación de su mitología, estableciendo que él era el último en una línea de luchadores contra el mal.

Aunque las tentativas de crear un estilo de horror gótico generalmente se consideraron menos que acertadas, y la película se considera más como una comedia (involuntaria) que un filme de horror en la actualidad, éste fue un enorme éxito en taquilla, y se exportó a muchos países. En ciertos círculos de Europa, las películas del Santo fueron consideradas verdaderas "joyas" de un supuesto "cine surrealista mexicano", junto con las películas del célebre actor y director Juan Orol; pues suponen que la ingenuidad y el extremo descuido con que son facturadas son algo totalmente intencional.

Santo jamás perdió su máscara plateada en combate y se creó el mito de que nunca se quitaba su máscara. Se retiró de los encordados en 1982. A principios de los años 80, se presentó en el programa "Contrapunto" de Jacobo Zabludovsky, donde el presentador logró lo que nadie pudo hacer en el cuadrilátero: despojar de su máscara a "El Santo", dejando ver por primera vez parte de su verdadera identidad. Murió de un infarto al miocardio después de una actuación en el teatro blanquita, unos días después de haberse quitado la máscara y mostrar su rostro en el programa de Jacobo Zabludosky; este no era el primer infarto que sufría, ya que algunos años antes sufrió uno mientras se desarrollaba una lucha en contra de los Misioneros de la Muerte.

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Miroslava

Miroslava Šternová Beka, nombre completo de esta musa magnifica de nuestro cine, nació el 26 de febrero de 1926 (el mismo año que nació Marilyn Monroe) pero en Praga.

La vida de Miroslava fue un ir y venir de tragedias. La primera llegó cuando era apenas una niña y, junto a sus padres, tuvo que huir de su tierra natal, Checoslovaquia, hacia México, para escapar de las persecuciones de los nazis. La segunda muy poco después, en 1942, cuando su primer amor murió en la guerra. La tercera, la muerte de su madre, enferma de cáncer, cuando ella aún no tenía ni 20 años. La cuarta, su primer y último matrimonio, que apenas duró un año porque (decían las malas lenguas) su marido tenía a otro hombre como amante...A mediados de los 50, sin embargo, parecía que la suerte empezaba a cambiarle. Rodó su mejor película, una obra maestra que pasaría a los anales del cine y que merece ser vista de cualquier forma y con cualquier causa : Ensayo de un crimen, de Luis Buñuel, en la cual -y he ahí una de las razones fundamentales de su posterior leyenda, por lo que verán- una figura de cera representando el cadáver de Miroslava entra en un horno crematorio y se derrite mientras su enamorado, el protagonista del film, la mira. Mientras rodaba la película conoció a su gran amor, Luis Miguel Dominguín (Ava Gardner, otra de sus conquistas, ya la hemos visto por aquí), que le prometió amor eterno y matrimonio.Todo fue irreal. Meses después, Miroslava se enteró de que Luis Miguel, sin decirle nada, había contraído matrimonio con la italiana Lucía Bosé, que por aquella época -casualidades de la vida- acababa de estrenar una película también con Luis Buñuel. El estado anímico de Miroslava se vino abajo. Nueve días después de consumada la traición de Dominguín, el ama de llaves de Miroslava y la actriz cubana Ninón Sevilla, que vivía cerca, encontraron su cadáver tumbado en la cama. En la mano, una foto en la que posaba con Dominguín y la abuela de éste; lo más cerca que estuvo de compartir vida conyugal con él. A escasos metros, varias cajas de barbitúricos. En la mesilla de noche, cartas de suicidio a su padre y su hermano :Papá: perdóname y olvida, no puedo seguir. No tengo valor, gracias por todo y perdóname que no tenga suficiente voluntad para vivir, te quiere, tu Bumbulka'Escribe y envía el regalo (una campanita de plata) a Luis Miguel Dominguin (Nervión 25, Madrid) y que sea feliz...Maquillada en la muerte por Dolores Camarillo, su maquilladora habitual, en el funeral todo el mundo quedó sorprendido de la enorme belleza de Miroslava aún muerta. Al día siguiente, como si su última película hubiera sido una cruel premonición, su cuerpo sin vida fue incinerado bajo la supervisión precisamente de Ernesto Alonso, el actor que había interpretado también al protagonista de Ensayo de un crimen, ante el estado anímico del padre de Miros, Oskar Stern. Fue entonces cuando Miroslava se convirtió en leyenda, en la diva del cine mexicano.Y como diva tuvo otras muertes rumoreadas, al menos en la teoría de público y prensa :- Una teoría decía que Miroslava había sido una espía y que fue mandada asesinar por el servicio de contraespionaje inglés por medio de Martha Aurelia Hernández, su asistenta personal y, según algunos decían, su amante lesbiana y que moriría días después de la muerte de Miroslava, según la versión oficial, tirándose a las vías del tren; según la versión del rumor, asesinada ante su arrepentimiento por otro integrante del servicio de contraespionaje. Esta versión parte de la anécdota que vivió Miroslava junto a Dominguín cuando aún eran novios, en 1954 : las autoridades franquistas acusaron de forma descabellada a Miroslava de ser espía -¡cielos, era checa!- y sólo pudo entrar en España bajo el aval del torero.- Otra, que había muerto en realidad unos días antes en un accidente de avión junto a su amante el millonario Jorge Pasquel, que efectivamente murió de tal manera el 8 de marzo, y luego depositada, por alguna razón extraña, en su cama para hacer fingir un suicidio. Esta versión fue refutada por la policía pocos días después, cuando hizo saber a la prensa acerca de las cartas de suicidio que la actriz había dejado.

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